Chorus Una Costellazione

Domenico Brancale e Clemens-Tobias Lange ad Artelibro 2010

2010-09-18T12:14:00.003+02:00

Per Artelibro 2010, sabato 25 settembre alle ore 15.00-16.00 presso il Museo Civico Archeologico di Bologna (Sala del Risorgimento, Via dell’Archiginnasio, 2), si terrà la presentazione del libro d’artista di Domenico Brancale, un caro amico di Chorus, e Clemens-Tobias Lange Ghiacciature.

«L’inverno del 2009/2010 era tosto e il freddo si faceva sempre più spazio dentro di noi; così abbiamo deciso di farne un libro».
...
Il poeta Domenico Brancale e l’artista Clemens-Tobias Lange presentano Ghiacciature I, il volume nato dalla loro collaborazione. Attraverso la lettura e le immagini mostrano la nascita del libro, che si sviluppa su carte gelatinate. Sono infatti affiancate fotografie dei fiumi ghiacciati della Siberia e testi di Domenico Brancale. La tecnica esecutiva adottata richiede il massimo di attenzione poiché si tratta di una produzione strettamente manuale, ma permette di realizzare effetti simili a scioglimenti e ghiacciature.

http://www.ctl-presse.de/

Philippe Lacoue Labarthe, la césure et l'impossible

2010-09-01T09:22:00.001+02:00

Philosophe, écrivain et poète, Philippe Lacoue-Labarthe (1940-2007) refusait les limitations traditionnelles de la philosophie. Ses recherches l’ont confronté à des questions fondamentales : le politique et sa « fiction » depuis les Grecs jusqu’aux désastres du xxesiècle; le mythe et ses enjeux ; la mimèsis et la césure dans le théâtre et l’écriture poétique.

De sa lecture de Hölderlin, il avait retenu que « l’interrogation obstinée et suffocante, aux portes de la folie, sur la tragédie et la mimèsis est indissociablement biographique ». Cette persévérance de la question, cette épreuve de l’impossible, il en a fait l’expérience dans sa pensée et dans sa vie. Le meilleur hommage que l’on puisse lui rendre consiste à le lire, à remettre en jeu son travail dans tous les domaines – philosophie et poésie, théâtre et musique – où il s’est efforcé de « résister à la disparition ».

Ce sont les différentes dimensions de la pensée de Philippe Lacoue-Labarthe qu’interrogent les textes de ce recueil, présentés lors de la rencontre internationale organisée par le Parlement des philosophes, à Strasbourg en 2009.

Avec les textes de : Jacob Rogozinski, André Hirt, Antonia Birnbaum, Helga Finter, Francis Fischer, Esa Kirkkopelto, Maud Meyzaud, Jean-Christophe Bailly, Isabelle Baladine Howald, Mehdi Belhaj Kacem, Marc Goldschmit, Évelyne Grossman, Jérôme Lèbre, Susanna Lindberg, Boyan Manchev, Jean-Clet Martin, Patrick Werly, Sylvie Decorniquet, Sara Guindani, Huang Kuan-min, Artemy Magun, Andrea Potestà, Jean-Luc Nancy.

Sommaire

Jacob Rogozinski, Résister à la disparition

I. Portrait de Lacoue-Labarthe

André Hirt,« Sainteté » de Lacoue

II. Lacoue-Labarthe et la théâtralité

Antonia Birnbaum, La sobriété, de Lacoue-Labarthe à Hölderlin Helga Finter, L’écho de la scène Francis Fischer, Une scène primitive Esa Kirkkopelto, Comparatifs de Hölderlin Maud Meyzaud, Une langue révolutionnaire

III. Poétiques de Lacoue-Labarthe

Jean-Christophe Bailly, L’infinitif de la césure Isabelle Baladine Howald, Est-ce une faute de mourir ? Mehdi Belhaj Kacem, Politique de Lacoue-Labarthe Marc Goldschmit, La condition impossible de l’existence poétique Évelyne Grossman, Écrire sous expiration Jérôme Lèbre, Un lyrisme sans sujet Susanna Lindberg,Tonalités élémentaires Boyan Manchev, Le dernier romantique ou De l’anarchie poétique Jean-Clet Martin, Typographie Patrick Werly, Lacoue-Labarthe, entre dissolution et « réalité rugueuse »

IV. Lacoue-Labarthe et la philosophie

Sylvie Decorniquet, La vie de l’esprit, le vertige et la grâce de la pensée devant la mort Sara Guindani, Pouvoirs de mimèsis chez Lacoue-Labarthe Huang Kuan-min, Incipit vita : la difficulté de la modernité chez Lacoue-Labarthe Artemy Magun, Une danse à deux Andrea Potestà, L’emphase du caché

Jean-Luc Nancy, Philippe

Ouvrage publié avec le concours du Collège internationale de philosophie et du Parlement des philosophes.

Invitada de Latinale 2010: Laura Erber

2010-08-14T12:27:00.001+02:00

Laura Erber. Foto: Privada

Poema com fundo de Paul Van Ostaijen 2

a garota de Pamplona agora vive em Honolulu

com um colar de pérolas de plástico

numa estufa – ela vai continuar

crescendo -

ela

era o seu spleen alegre

o seu chouchou

com ela por perto você dizia

flonflons, pink,

bleu ruban

as louças tremiam

as palavras gorgeous gorgeous!

vagas vagas

mas ela estava resolvida

e avançava

(IN: Vazados & Molambos, Editora da Casa, 2008, p.20)

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O fim do Império

Começava com você escrevendo sobre lábios ressecados no Tennessee.

Eu perguntava se a canção secreta da garota húngara não era o

roman-fleuve de uma Lotte Lenya antepassada.

Uma mulher que ficava apoiada na borda do camarote sonhando com o fim do Império.

Ela que não tinha profundidade alguma.

Só ar brilho e nada mais.

VII

Alguém sonhava em guardá-la num tubo de vidro.

Chegaria o novo século, o fim do império, o fim da Hungria, o fim do roman-fleuve, chegaria?

Ela nos olha de longe com uma expressão de pânico contida.

Quantos metros de língua para se enforcar no solilóquio?

Quanto duas pessoas podem se afastar sem se perder de vista?

XII

E no Tennessee?

(Este foi publicado no livro Vazados & Molambos, Editora da Casa, 2008)

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Laura Erber nasceu em 1979 num planeta telúrico formado há 4.54 bilhões de anos. Publicou Insones (7 Letras, 2002), Os corpos e os dias / Körper und tage (Merz-Solitude, 2006) e Vazados & Molambos (2008). Com o escritor italiano Federico Nicolao e a artista coreana Koo Jeong-A realizou o livro Celia Misteriosa (Villa Medici e edições Io, 2007). Foi escritora em residência na Akademie Schloss Solitude (Alemanha) e no Vlaanderen Pen Center (Bélgica). Teve poemas publicados em revistas de poesia no Brasil (Inimigo Rumor, Cacto, Poesia Sempre) e colabora desde 2004 na revista Chorus una costellazione (Gênova, Itália). É Mestre em Letras pela PUC-Rio com a dissertação No man’s langue: a poesia em fuga de Ghérasim Luca. Além de escritora é artista visual. Seus trabalhos investigam as alianças e descontinuidades entre palavra e imagem. Participou de exposições em diversos centros de arte, tais como Grand Palais de Paris, Fundação Miró, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Oi Futuro, Centro Cultural Banco do Brasil, IASPIS, Jeu de Paume. Além disso, como toda Meidosemmes, ela sonha apenas em entrar no Palais de Confettis…

Laura Erber nace en 1979 en un planeta telúrico formado hace 4,54 billones de años. Ha publicado Insones [Sonámbulos] (7 Letras, 2002), Os corpos e os dias [Los cuerpos y los días]/Körper und Tage (Merz-Solitude, 2006) y Vazados & Molambos [Vacíos y Harapos] (2008). Ha realizado junto al escritor italiano Federico Nicolao y la artista coreana Koo Jeong-A el libro Celia Misteriosa (Villa Medici y ediciones Io, 2007). Ha sido escritora visitante en la Akademie Schloss Solitude (Alemania) y en el Vlaanderen Pen Center (Bélgica). Tiene poemas publicados en diversas revistas de Poesía de Brasil (Inimigo Rumor, Cacto, Poesia Sempre) y colabora desde el año 2004 con la revista Chorus Una Costellazione (Génova, Italia). Tiene una master en Filología por la PUC de Río (Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro) que obtuvo con la disertación “No man’s langue: a poesia em fuga de Ghérasim Luca” [No man’s langue: la poesía en fuga de Ghérasim Luca], además de ejercer como escritora y artista visual. Sus trabajos profundizan en las alianzas y discontinuidades entre la palabra y la imagen. Ha participado en exposiciones organizadas en diversos centros de arte, tales como el Grand Palais de París, la Fundación Miró, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Oi futuro, el Centro Cultural Banco do Brasil, IASPIS, y el Jeu de Paume. Por otra parte, como toda meidosema [Meidosemme], no sueña más que con entrar en el Palacio del Confeti[1]

[1] Michaux, H. Meidosemmes. Le Point du Tour. París, 1948. Reeditado en Michaux, H. “Portrait des Meidosemmes”, en La vie dans le plis. Gallimard. París, 1949.

ANNO VII NUMERO VI

2010-07-16T11:03:00.002+02:00

SOMMARIO

Jerôme Combier Terra d’ombra

Jean-Luc Nancy Stagioni del mondo

Jean-Christophe Bailly La venuta, Jean-Luc Nancy

Philippe Lacoue-Labarthe Frase XVII scena

Mario Richter Domande su Rimbaud

Roger Laporte Allo scoperto

Adrienne Sabrier Disegni

In memoria di Aldo Buzzi

Aldo Buzzi Non capire

Mario Nicolao L’acrobata senza filo

Alfonso Cariolato Dialogo tra Antonino e A

Olivier Kervern Fotografie

Gianni D’Elia Poesie

Laur Erber Picnic con Stroszek

Yoshimasu Gozo Giardino Abbandono

Jean-Charles Fitoussi Come non ho scritto alcuni miei film

Hedwig Marzolf & Sarah Moon ... Perché ogni volta forse è l’ultima

Fanny Drugeon La poesia dell’oggetto derisorio

Klaus Ramka Bible

198 pagine

chorus@nicolao.org

Saul Leiter Early Colors

2010-07-15T01:21:00.001+02:00

Torna finalmente in vendita sul sito del prestigioso editore Steidl Early Colors, lo straordinario libro su Saul Leiter. Ne consigliamo a tutti l'acquisto, augurandovi buon acquisto e buone vacanze

Early Color - Second printing
Steidl & Partners
€48.00

Although Edward Steichen exhibited some of Saul Leiter’s color photographs at the Museum of Modern Art in 1953, for forty years afterwards they remained virtually unknown to the art world. Saul Leiter: Early Color provides the first opportunity to see a comprehensive presentation of images by one of photography’s great originals.

Leiter moved to New York in 1946 intending to be a painter and through his friendship with the abstract expressionist Richard Pousette-Dart he quickly recognized the creative potential of photography. Though he continued to paint, exhibiting alongside Philip Guston and Willem de Kooning, Leiter’s camera became — like an extension of his arm and mind — an ever-present interpreter of life in the metropolis.

The semi-mythical notion of the ‘New York street photographer’ was born at the same time, in the late-1940s. But Leiter’s sensibility — comparable to the European intimism of Bonnard, a painter he greatly admires — placed him outside the visceral confrontations with urban anxiety associated with photographers such as Robert Frank or William Klein. Instead, for him the camera provided an alternative way of seeing, of framing events and interpreting reality. He sought out moments of quiet humanity in the Manhattan maelstrom, forging a unique urban pastoral from the most unlikely of circumstances.

None of Leiter’s contemporaries, with the single and partial exception of Helen Levitt, assembled a comparable body of work in color. The lyricism and intensity of his vision come into fullest play in his eloquent handling of color: to the rapid recording of the spontaneous unfolding of life on the street, Leiter adds an unconventional sense of form and a brilliantly improvisational, and frequently almost abstract, use of found colors and tones. Leiter’s visual language of fragmentation, ambiguity and contingency is evoked in Saul Leiter: Early Color by one hundred subtle, painterly images that stretched the boundaries of photography in the second half of the twentieth-century.

Olivier Kervern Fotografie

2010-07-09T08:23:00.000+02:00

Su numero 6 di Chorus Una Costellazione appena uscito, a partire da pagina 109, torna Olivier Kervern con una magnifica serie di fotografie.

Olivier Kerven (Fontainebleu, 1977) Giovane talento della fotografia francese, collaboratore del Purple journal, conteso dai registi d’oltralpe per le sue fotografie di scena, già pubblicato in Italia dalle edizioni della Camera Verde (Imprévu moteur, Rome 2002) e sul numero 5 di Chorus, Kervern ha il dono di indagare generi (il ritratto, la fotografia di paesaggio, il reportage) e paesi (l’India, la Cina, le grandi capitali europee) traendone volontariamente poche ma significative immagini particolarmente emozionanti per la ricerca formale e la capacità di pensare che le caratterizzano (http://www.olivierkervern.com).

Irving Penn Les petits métiers

2010-04-28T13:27:00.008+02:00

Irving Penn

Les petits métiers

à la Fondation Henri Cartier-Bresson

2, impasse Lebouis
75014 Paris
France

du 5 / 05 / 2010 au 27/07/ 2010

Eloigner les modèles de leur environnement naturel et les installer dans un studio face à l’objectif, n’avaient pas seulement pour but de les isoler, cela les transformait.

Irving Penn, Worlds in a Small Room, 1974

La Fondation Henri Cartier-Bresson rend hommage à l’un des maîtres de la photographie du XXème siècle récemment disparu, Irving Penn en exposant du 5 mai au 25 juillet 2010, les Petits métiers. Né en 1917, photographe de mode notamment pour Vogue, Penn a photographié au début des années cinquante les petits métiers à Paris, Londres et New York. Admirateur du travail du français Eugène Atget, il a également pris en compte le vaste projet de l’allemand August Sander : Hommes du XXe siècle.

Cette présentation comporte une centaine de tirages jamais montrés à Paris, empruntés au J. Paul Getty Museum de Los Angeles, qui a acquis en 2008, sous forme de donation partielle, le premier ensemble de cette série sélectionné par Irving Penn lui-même. Les petits Métiers ont une importance toute particulière pour Penn qui a travaillé sur les négatifs à plusieurs reprises. Les premiers tirages réalisés au début des années cinquante sont des épreuves gélatino-argentiques. A partir de 1967, Penn a retravaillé ces mêmes négatifs afin d’obtenir une autre série composée de tirages au platine/palladium.

Né en 1917, Irving Penn a révolutionné la photographie dans une quête de l’autre sans pareil.

A l’instar de Cartier-Bresson, qu’il citait parmi ses influences, il s’oriente d’abord vers la peinture et le dessin. Après avoir étudié le graphisme auprès d’Alexey Brodovitch à Philadelphie, il débute sa carrière en 1943 avec sa première couverture pour le Vogue américain.
Ses images se définissent par une élégante simplicité et une rigueur méticuleuse, devenues les caractéristiques de son approche intime du monde « dans une petite pièce ». Selon « son arbre des influences »*, Morandi, Léger et Matisse sont les racines alors que Brodovitch et Liberman forment le tronc solide de sa carrière.

Dans les ramifications, on voit également Sander, Cameron ou Nadar. En quelques années seulement, Irving Penn va inventer sa lumière dans un souci d’authenticité avec une rangée d’ampoules au tungstène, un fond avec une toile neutre et des techniques de tirage. Il va également se confronter à des sujets académiques comme le nu ou la nature morte. Entre deux séances photo pour Vogue, il va photographier les plus grands ; actrices, écrivains, mannequins (Picasso, Colette, Marlène Dietrich…).

Décédé en 2009, cet homme secret, d’une grande liberté, a imposé pendant plus de soixante ans une nouvelle façon de voir, d’une énergie incomparable. Les photographies d’Irving Penn sont exposées dans les plus grands musées et font partie de collections majeures aux Etats-Unis et en Europe.

Les Petits Métiers (Small Trades)

Missionné à Paris, par Vogue en juin 1950 pour couvrir ses premières collections de haute-couture, il saisit l’opportunité d’entreprendre ce projet personnel basé sur son admiration des traditions de représentation des petits métiers. Alternant idéalisation et ironie, les représentations photographiques des travailleurs se distinguent souvent par leur approche documentaire et typologique – le plus célèbre exemple étant le projet d’August Sander Hommes du XXème siècle, conçu en Allemagne entre les deux-guerres qui prétendait faire un portrait vrai de la population de l’époque.

Recrutés à Paris dans la rue par Robert Doisneau et Robert Giraud, les modèles se rendaient au studio, rue de Vaugirard, dans leur tenue de travail et recevaient un dédommagement pour la peine.

Devant un arrière-plan fait d’un rideau de théâtre abandonné, Penn alternait les séances avec des mannequins et d’éminentes figures culturelles pour Vogue et d’autres avec d’humbles travailleurs pour son projet des petits métiers. En plus des petits vendeurs traditionnels, il photographiait également les individus issus du quartier populaire et éclectique de Mouffetard, comme le sculpteur bohême ou la chanteuse Benoîte Lab.

Penn continua à travailler sur les petits métiers à Londres, en septembre de la même année. Renseigné par les colporteurs londoniens, il photographia les poissonniers, les marchands de journaux, les chiffonniers aussi bien que les ramoneurs qui sont incontestablement associés à l’image de la ville.

De retour à New York à l’automne 1950, Penn poursuivit son exploration des métiers l’année suivante.

Dans un studio surplombant l’East River, il photographiait aussi bien les vendeurs locaux et les livreurs qu’il rencontrait que les métiers modernes liés au mode de vie américain, les sports, les loisirs ou les nouvelles technologies.

Les tirages

Au milieu des années 60, Penn commença une période d’expérimentations approfondies qui lui ont permis d’abord de maîtriser et ensuite de perfectionner la technique de tirage au platine. Pour le procédé au platine, la couche sensible à la lumière est absorbée dans les fibres du papier du support laissant ainsi apparaître sa texture alors que pour les tirages gélatino-argentiques, les particules sensibles à la lumière sont suspendues dans une émulsion de gélatine qui recouvre le support papier.

Irving Penn commença par créer un agrandissement négatif aux dimensions égales à celles de l’image finale. Après avoir appliqué un encollage, il enduisait à la main une feuille de papier sensibilisée par les sels de platine et de palladium. Une fois le papier sec, il l’exposait par contact avec le négatif pendant une période allant de quelques minutes à plusieurs heures.
Après avoir développé le tirage, il l’immergeait dans une série de bains pour retirer l’excédent de sels et fixer l’image.

Penn a exploré d’infinies variations du procédé, y compris en combinant deux ou plusieurs négatifs de contrastes variables, ou en recouvrant le tirage de diverses combinaisons de platine et de palladium qu’il exposait à nouveau sous le même négatif ou sous un autre. Relativement fort en contraste, les tirages gélatino-argentiques décrivent bien les tenues et les outils, modelés par la lumière naturelle.
Les tirages au platine sont plus resserrés sur les figures et leurs dimensions sont plus grandes que les tirages gélatino-argentiques, ce qui donne aux modèles une monumentalité quasi sculpturale. Les photographies qui en résultent sont très expressives, révélant une gamme de tonalités allant des gris nuancés aux noirs profonds.

Les publications

L’année de leur création, plusieurs sélections des Petits métiers de Paris, Londres et New York apparurent dans les éditions internationales de Vogue. Les portraits des artisans réalisés par Penn à Paris, Londres et New York démontrent non seulement la diversité des métiers découverts dans chaque ville mais aussi les différentes attitudes des travailleurs face à leurs activités. Dans l’ouvrage Worlds in a Small Room de 1974, Penn fit l’observation suivante:

En général, les Parisiens doutaient que nous ferions exactement ce que nous leur avions dit. Ils pensaient que quelque chose de louche allait arriver, mais ils arrivaient au studio plus ou moins comme convenu – motivés par le cachet. Les Londoniens étaient différents des Français. Etre photographiés en tenue de travail était pour eux la chose la plus logique au monde. Ils arrivaient au studio, toujours à l’heure et se présentaient devant l’appareil photo avec un sérieux et une fierté qui étaient particulièrement touchants. Des trois, les Américains étaient le groupe le plus imprévisible. En dépit de nos recommandations, quelques uns arrivèrent aux séances changés de pied en cap, rasés de frais et parfois même dans leurs costumes sombres du dimanche, convaincus de faire leur premier pas vers Hollywood.

Le projet des Petits métiers s’est développé dans l’esprit de Penn car il pensait que nombre de ces activités pouvaient disparaître. Intéressé par l’extinction des cultures dans le monde, il voyagea de 1948 à 1971 afin de photographier les autochtones à Cuzco, en Crète, en Estrémadure, au Bénin, au Cameroun, à San Francisco, au Népal, en Nouvelle Guinée, et au Maroc.

Dans un premier temps, Penn publia des extraits de chaque série dans le magazine Vogue puis, en 1974, il les rassembla dans le livre Worlds in a Small Room** et fit le commentaire suivant : J’ai préféré me confronter uniquement à la personne elle-même loin des accidents de la vie quotidienne, portant ses propres vêtements et bijoux, isolée dans mon studio. De cette personne seule, je pouvais distiller l’image que je voulais et la froide lumière du jour la transporterait sur le film…

Eloigner les modèles de leur environnement naturel et les installer dans un studio face à l’objectif, n’avaient pas seulement pour but de les isoler, cela les transformait.

Penn avait une grande estime pour « les petits métiers ». Sachant combien ces gens s’identifiaient à leur travail, il a sciemment inclus leurs outils (comme leurs tenues) dans ses portraits.
Penn a positionné avec précaution les travailleurs avec leurs outils afin de créer des compositions équilibrées qui mettent en valeur leur savoir-faire. Penn a convoqué ses modèles dans le territoire neutre du studio, démontrant ainsi que son intérêt n’était pas de faire le portrait d’un milieu mais plutôt un portrait psychologique. Les images rassemblées révèlent une profonde égalité entre les modèles, ainsi transformés en icones fières des temps modernes.

Le catalogue de l’exposition publié par J. Paul Getty Museum réunit l’ensemble de la série des Petits Métiers ainsi qu’un entretien avec Edmonde-Charles Roux, la rédactrice en chef de Vogue pendant seize ans qui a assistée Penn lors de la commande à Paris. On peut apprécier jusque dans l’impression du livre, la différence entre la reproduction des tirages gélatino-argentiques et des tirages au platine.

Irving Penn

Les petits métiers

à la Fondation Henri Cartier-Bresson

2, impasse Lebouis
75014 Paris
France

du 5 / 05 / 2010 au 27/07/ 2010

Irving Penn : Les Petits Métiers
a été conçue par Virginia Heckert, conservatrice associée du département de photographies, et Anne Lacoste, conservatrice adjointe du département de photographies.

Coup de coeur: l'incantevole Scampi

2010-04-11T12:15:00.002+02:00

...en double-cliquant sur l'image vous pouvez accéder directement au nouvel article de notre section Les coups de coeur de Chorus qui s'occupe aujourd'hui de l'adorable Scampi et de son concert à la Boule Noire de Paris. En double-cliquant sur le lien Les coups de coeur de Chorus en revanche vous pouvez acceder à cette section du site dans sa totalité.

Yuji Nishiyama, Le droit à la philosophie

2010-02-18T17:16:00.003+01:00

Jeudi 18 février (18h30-21h30)
Salle 1, Centre Parisien d'Études Critiques, 37 bis rue du Sentier, 75002 Paris
Forum organisé en collaboration avec l’UTCP (University of Tokyo Center for Philosophy), et avec le soutien du Centre Parisien d'Études Critiques.

Le film Le droit à la philosophie, réalisé par Yuji Nishiyama (UTCP), fait figure d’événement pour le Collège international de philosophie. Au fil d’entretiens menés avec des membres anciens et actuels du Collège, se dégage le portrait d’une institution singulière, envisagée dans son histoire, son évolution, ses visées. Qu’est-ce que travailler au Collège, quelle production et quel partage des savoirs y pratique-t-on ? Qu’est-ce qu’un lieu de pensée, et en quoi le Collège fait-il communauté ? Quel présent et quel devenir pour cette utopie en acte qu’a pu représenter le Collège lors de sa fondation, en 1983 ? Et quel avenir pour les humanités et le « droit à la philosophie » (Derrida), à l’heure de la mondialisation ?
Le film ne se contente pas de porter sur l’institution du Collège le « regard éloigné » cher à Lévi-Strauss : il lui renvoie un triple questionnement historique, politique, et in fine éthique.

La projection sera suivie d’une table ronde avec Gisèle Berkman, Michel Deguy, Evelyne Grossman, Boyan Manchev, Yuji Nishiyama, François Noudelmann, Pierre Zaoui.

1
Yuji Nishiyama
© Dide

Coup de coeur: Bill Callahan en concert au Café de la Danse de Paris

2010-02-13T12:35:00.004+01:00

Bill Callahan in concerto al Café de la danse di Parigi venerdì 12/02/2010
© Dide

...en double-cliquant sur l'image vous pouvez accéder directement au nouvel article de notre section Les coups de coeur de Chorus qui s'occupe aujourd'hui du concert de Bill Callahan (a.k.a SMOG) hier soir au Café de la Danse de Paris. En double-cliquant sur le lien Les coups de coeur de Chorus en revanche vous pouvez acceder à cette section du site dans sa totalité.

Oggi si parla di Chorus

2010-02-05T01:12:00.000+01:00

Oggi si parla di Chorus su La Gru

Alfonso Cariolato, Dare una voce. La filosofia e il brusio del mondo

2010-02-02T17:50:00.000+01:00

Alfonso Cariolato
Dare una voce. La filosofia e il brusio del mondo
ed. La Carmelina
127 pp.
11 fotografie
13 euro

"...la ricerca di Alfonso Cariolato va da anni avanti con assoluto rigore quantomeno in due direzioni, lo sviluppo teoretico di alcuni concetti e di alcune tematiche e il dialogo con alcune esperienze altre dalla filosofia: come l’arte, il cinema e la poesia [...] "

Cliccando potete accedere a una recensione di Gianluca Pulsoni

l’Ecole Supérieure d’Art des Rocailles de Biarritz , Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval

2010-02-02T15:55:00.003+01:00

Benjamin Artola, La ballade fantôme, 17''00

Cécile Brisson, Bertillon moderne , 2''00

Mériem Atlaoui, Nicolas Klotz, Decades, Joy Division

Mériem Atlaoui, Nicolas Klotz, Cécile Mestelan

Tryptique, Jean-Luc Nancy

Nicolas Klotz, Amazonie, 39''12

Marc Fontenelle, Taulard

Camille Rolland, Je suis, 3''59

Champs, contre-champs et portraits musicaux, 33''04

Sophie Lefranc, Elles sont où mes ballerines ? 9''00

Lorène Couléard, Hommage à Tourneur, 5''46

Julien Gloaguen, La table ronde, 11''54

Yohann Héloua, Insomnie, 4''00

Mériem Atlaoui, Sans-titre, 4''58

Gaillard de Navailles , Sans-titre , 3''51

Maya Duverdier, L'absente,3''53

Raphaëlle Serre, Les Lucioles, 6''10

Mathilde Garcia-Sanz, Duerme, duerme negrito, 7''49

Hervé Lefur, Nostalgie d'un temps oublié, 13''14

Camille Rolland, Drosophiles nerveuses, 6''56

Emma Souharce, Emma B., 6''01

Bo Shen, Rue de Machelon, 9''50

Xavier Ambroise, Etendoir, 4''43

Cécile Mestelan, Ce ne sont que des Gens, 6''53

Thomas Mengebier, Restez avec moi, 9''35

Benjamin Artola, Résidence Iraty, 4''40

Bo Shen, Rue de Marchelon, 9''50

Anastasia Ferrant, Bergamote, citron vert, 7''50

Iouri Camicas, Un endroit pour toi, 6''00

Emma Souharce, Petit déj' junky, 6''36

Naïma Vois, Ritournelle, 6''02

Durée du cycle 41''00

Les étudiants de la seconde année de l’Ecole Supérieure d’Art des Rocailles de Biarritz présentent pour la première fois dans le cadre du FIPA une installation intitulée « Opening identités », en partenariat avec « Grande plage », du 28 au 30 janvier à la Blanchisserie, rue Petite-Sœur-des-Pauvres.

Cette installation a été réalisée avec Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval. Ces derniers développent ensemble un mode d’écriture et de filmage qui interroge autant la forme cinématographique que les bouleversements du contemporain.

Autour de la thématique de l’identité, avec toute l’exigence de leurs complices, ils ont investi sur deux niveaux l’espace du site de la blanchisserie.

L’événement sera ouvert au public du jeudi 28 au samedi 30 janvier de 10h à 19h, rue des Petites-Sœurs-des-Pauvres, à Biarritz.

Renseignements au 05 59 47 80 02, ou par fax au 05 59 41 12 09.
xuan.kazandjianesarocailles.fr

Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval poursuivent un travail cinématographique nourri de cinéma, de philosophie, d’histoire, de littérature et de musique Leurs films sont présentés dans les festivals de cinéma du monde entier et font l’objet de plusieurs éditions dvd. Parallèlement à leur travail de cinéma, ils ont aussi travaillé au théâtre et plus particulièrement sur des textes de Bernard-Marie Koltès, Didier-Georges Gabily, Heiner Müller, Sarah Kane, et Jean-Luc Nancy. Nicolas Klotz intervient régulièrement à la FEMIS dans le département réalisation. Proche du metteur en scène Klaus Michael Grüber, il a mis en scène plusieurs textes au sein de l’Asile, compagnie fondée en 1995 avec Elisabeth Perceval dans laquelle elle est comédienne.

Filmographie:

1988 : La Nuit bengali
1993 : La Nuit sacrée
2004 : Paria
2004 : La Blessure
2007 : La question humaine
2007 : La Consolation

Documentaires

1986 : Pandit Ravi Shankar
1992 : Robert Wyatt, part one
1996 : Chants de sable et d'étoiles
1998 : James Carter
1999 : Brad Mehldau

Mises en scène

1995–1996 : Le Fonctionnaire pékinois, d'après Belle du seigneur d'Albert Cohen
1998 : Roberto Zucco, de Bernard Marie Koltès
1999 : Quai Ouest, de Bernard-Marie Koltès
2001 : L'intrus, de Juc-Luc Nancy
2007 : Veilleurs (1 et 2) d'après Enfonçures de Didier georges Gabily et Images malgré tout de Georges Didi-Huberman

Multimédias

2001 : Asile de nuit (Arte France)
2004 : Asile de jour (Arte France)

Téléfilms

2000 : Un ange en danger
2004 : Nus
2005 : Dans la peau de... Paulo Branco

Charles Pennequin, Pau

2010-01-14T00:17:00.003+01:00

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Charles Pennequin
© Dide

à l'ESAC de Pau
Lecture - Performance par Charles Pennequin
jeudi 14 janvier 2010

L’ESAC vous invite à une lecture-performance exceptionnelle donnée par le poète Charles Pennequin.

Charles Pennequin, né en 1965 à Cambrai, dans le Nord de la France,a publié de nombreux ouvrages. Entre autres Pas de tombeau pour Mesrine et Je me jette chez Al Dante et Atelier chez POL.

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Charles Pennequin
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Récemment le site de l'Académie de Rome qui l'avait invité pour un seminaire en publiait cette biographie:

" Charles Pennequin est né en 1965, vit à Lille. Il est vivant, absolument vivant (c'est-à-dire dans la merde).
Charle Pennequin écrit jusqu'à la saturation de sa propre vie, de son propre corps. Face au public il pose en vrac ses doutes, son désarroi, l'absurdité de la vie. Circulant à travers le public ou dans la rue, il improvise au dictaphone, griffonne des poèmes avec de grands gestes nerveux - on ne sait s'il écrit ou déchire - lit debout, yeux exorbité, la bouche comme un trou.

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Charles Pennequin
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Chez Charles Pennequin l'expérience de l'écrit est douloureux. Et pourtant on rit, comme devant les farces burlesques d'un Keaton. Pour Charles Pennequin la « performance » est une pratique quotidienne qui se mêle à l'écrit, fait parti de l'écrit, d'un écrit qui serait « activisme », c'est-à-dire fondamentalement politique. En résumé, il écrit, lit, déclame, improvise, bouge et dessine."

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Charles Pennequin
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A Pau, invité par Isabelle Lassignardie, écrivaine et enseignante d'Histoire et Théorie de l'art contemporain de l'ESAC , il anime pendant une semaine un atelier qu’il a intitulé

« COMPRENDRE LA VIE » (en 5 jours.) ou le petit séminaire de la chose parlée et qu’il considère comme un « Stage de poésie action par le texte et le son dans les trous de la ville ».

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Esac, Pau, Comprendre la vie (en 5 jours)
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Voici un extrait de ce qu’il en écrit :

« Il faut se balader, il faut être captif, il faut se promener et être dans la captation. La parole nous enlève ; Les sons forment l’air. Le poème peut se nourrir, se charge d’air. Nous attrapons les choses dans l’air parlé. Il faut tirer là le son. Le son est bon à tirer dans les villes. Ce son de comment ça pense ou aurait pu penser et tirer ça vers le chant.

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Esac, Pau, Comprendre la vie (en 5 jours)
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Tout geste artistique peut provoquer une réaction saine. Toute la négativité d’un monde peut se concentrer en poèmes. Tous les poèmes révèlent une époque. Le style, c’est dire comment je vis à travers les corps et les pensées d’une époque. Comment l’époque peut vivre. Nous sommes remplis de cadavres. Les doigts ne sont pas vraiment nos doigts et ne sont pas dans nos mains.

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Esac, Pau, Comprendre la vie (en 5 jours)
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Les mains sont aussi des bouchons, les bouchons sont entrés parce que la jeunesse fut ouverte. Il faut faire prendre l’air à la pensée et ne pas prendre la vie pour un bouchon. Il faut quitter la physique, en s’appropriant tous les corps, corps de paroles et de sons, les univers dans lesquels on nous fait marner, pour ensuite tout ressortir, pour que ça sorte un bon coup des cervelles de l’époque. (…) »

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Esac, Pau, Comprendre la vie (en 5 jours)
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sur Charles Pennequin :

http://charles_pennequin.20six.fr/

http://pennequin.rstin.com/

http://www.vefblog.net/charlespennequin/

http://www.myspace.com/charlespennequin

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Isabelle Lassignardie, à l'origine de la venue de Charles à l'Esac
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Le Père ce matin, Carte Blanche, Paris, 1997
Ça va chauffer, Derrière la Salle de Bains, 1998
Moins ça va, plus ça vient, Le Jardin Ouvrier, 1999
Dedans, Al Dante, Paris, 1999
Je crache, Poésie Express, 2000
Patate, album avec un CD intitulé 1 jour, 2000

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Esac, Pau, Comprendre la vie (en 5 jours)
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1 jour, Derrière la Salle de Bains, 2001
Bobines, CD de poèmes, Studio Croix des Landes, La Bazoge (72), 2001
Lettre à J.S. , Al Dante, 2001
Ecrans, Editions Voix/Richard Meïer, 2002
Bibi, POL, Paris, 2002
Bine, le corridor bleu, collection IKKO, 2003

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Esac, Pau, Comprendre la vie (en 5 jours)
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Bibine, Editions de l'Attente, 2003
Merci de votre visite, Editions Mix, 2003
Je me Jette, avec le DVD intitulé Jemejette, Al Dante, Paris, 2004
Mon binôme, POL, Paris, 2004

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Esac, Pau, Comprendre la vie (en 5 jours)
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Les doigts, Editions Ragage, Paris, 2006
Lambiner, Dernier Télégramme, Limoges, 2007
Pas de tombeau pour Mesrine, Editions Al dante, 2008.
Moins ça, plus ça vient (réédition), Dernier Télégramme, 2008.

Esac, Pau, Comprendre la vie (en 5 jours)
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Jean Charles Fitoussi Nocturnes pour le roi de Rome

2010-01-09T11:59:00.005+01:00

Nocturnes pour le roi de Rome, le très beau film de Jean-Charles Fitoussi, sort enfin en salle en France. Chorus vous le recommande vivement.

Samedi 9 janvier à 19h rencontre avec le metteur en scène au cinéma
Reflet Médicis

3 rue Champollion 75005 Paris
Métro Saint-Michel, Cluny

Mario Dondero - Est/Ovest Berlino, novembre 1989

2009-12-23T08:49:00.005+01:00

A vent'anni esatti dalla caduta del Muro di Berlino, Palazzo Ducale, presenta il reportage fotografico di Mario Dondero sui giorni che a Berlino Est e a Berlino Ovest l' hanno preceduta e sul giorno che ne ha visto la sua distruzione.

Quarantadue fotografie in bianco e nero, scattate nel remoto autunno dell'89, ci raccontano in modo semplice e diretto alcuni aspetti, all'interno della vita quotidiana, di quello che e' stato un grande evento nella storia del mondo contemporaneo.

"Il terremoto politico e sociale che scosse dalle fondamenta la Germania dell'Est si produsse in modo subitaneo, a differenza di quanto era accaduto in altri paesi legati all'Unione Sovietica. Mi trovavo già a Berlino da parecchi giorni, con l'intento di documentare, nella Repubblica Democratica Tedesca, gli aspetti visibili di una mutazione che si annunciava inevitabile. Il profondo turbamento che si avvertiva in seno alla società tedesca orientale era chiaramente avvertibile, in modo particolare fra gli intellettuali, inquieti per un avvenire che si annunciava oscuro.

Molti fra di loro, e questo si avvertiva negli appassionati dibattiti che avevano luogo in quei giorni, avevano creduto con convinzione ad un modello di società piu' attento alla risoluzione dei grandi problemi sociali di quanto non lo fosse il sistema occidentale. A Berlino Est regnava un'atmosfera molto piu' austera che a Berlino Ovest, vetrina del consumismo occidentale"
Mario Dondero

Palazzo Ducale
piazza Matteotti, 9 Genova
Orario dalle 9 alle 19, tutti i giorni
sino al 7 gennaio 2010
Ingresso libero

Artémy Magun ∆ La révolution négative

2009-11-28T11:14:00.007+01:00

Les éditions l’Harmattan

et l’auteur Artémy Magun
vous invitent à la présentation de l’ouvrage

La révolution négative:
déconstruction du sujet politique

Le 02 décembre 2009 à 18h30

A l’espace Harmattan
21 bis rue des Ecoles, 75005 Paris (M° Maubert-Mutualité, ligne 10)

5-7 rue de l’Ecole Polytechnique
75005 Paris
http://www.editions-harmattan.fr

La révolution est-elle terminée avec la disparition de la transcendance politique ? Ou ne nous laisse-t-elle qu'un espoir utopique ? Ce livre traite au contraire la révolution comme " le mouvement réel qui abolit l'état actuel " (Marx et Engels). Selon son argument, les événements des années 1980-90 qui ont mis fin à l'Union soviétique et au rideau de fer furent une " révolution négative ". Cette révolution n'a pas laissé un produit déterminé, mais elle a produit un bouleversement historique à la fois profond et inconscient. Elle fut une reprise et une suite de la tendance magistrale de la Révolution moderne : l'intériorisation du monde ou l'intériorisation de la négativité par le monde. Le livre développe cet argument à travers la comparaison entre la situation socio-psychologique et idéologique de la Russie des années 1980-90 et celle de la France révolutionnaire des années 1790 et montre ainsi comment la mélancolie devient un symptôme de la révolution. Enfin, l'approche logico-herméneutique du concept philosophique de révolution rend visible le lien intime entre la notion d'événement et la logique de la négativité dans les travaux de Badiou, Benjamin, Hegel, Kant etc. Le livre se termine par une lecture minutieuse et innovante des textes que Kant a consacrés à la Révolution française.

Artémy Magun © Dide

Titre	La révolution négative: Déconstruction du sujet politique
Auteur	Artémy Magun
Éditeur	L'Harmattan, 2009
ISBN	2296091180, 9782296091184
Longueur	284 pages

Colloque international Philippe Lacoue-Labarthe / 21-24 octobre 2009

2009-10-25T15:49:00.010+01:00

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Colloque organisé par le Centre de recherches sur le philosophie contemporaine et le Parlement des philosophes, avec le soutien de l’Université de Strasbourg, de la Communauté Urbaine et de la Ville de Strasbourg, du Théâtre National de Strasbourg et du Collège International de Philosophie.

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Penseur qui refusait la "pose philosophique", écrivain et poète, Philippe Lacoue-Labarthe (1940-2007) s’est confronté à des interrogations fondamentales : la question du politique et de sa "fiction", depuis les Grecs jusqu’aux désastres du XX° siècle ; celle du mythe et de ses enjeux ; celle de la mimésis dans la tragédie et le poème. Autant de questions qu’il a patiemment travaillées dans une communauté d’amitié et de pensée avec d’autres philosophes et écrivains, comme Jean-Luc Nancy et Jacques Derrida. Le meilleur hommage que l’on peut rendre à un penseur consiste à travailler sa pensée, à la discuter, à la remettre en jeu. Avec le soutien de l’Université de Strasbourg où Philippe Lacoue-Labarthe a enseigné pendant trente ans et du Collège International de Philosophie, qu’il a présidé à un moment critique de son histoire, le "Parlement des philosophes" organise un colloque international consacré à son œuvre.

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Mercredi 21 octobre

- à 19h à la librairie Kléber, rue des Francs-Bourgeois : présentation du livre d’André Hirt, Un homme littéral, Philippe Lacoue-Labarthe (Ed. Kimé), avec l’auteur et I. Baladine-Howald

- à 19h 15 à la librairie le Quai des Brumes, Grande-Rue : table-ronde autour du livre La medesima strada de G. Aillaud, J. C. Bailly, M. Deutsch et K. M. Grüber (Ed. de la Phocide), avec J. C. Bailly et A. Potestà

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Michel Deutsch
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Jeudi 22 octobre (Palais Universitaire, salle Pasteur)

- 9h-12h :

- Jacob Rogozinski (Strasbourg) : ouverture du colloque
- Antonia Birnbaum (Paris-8, Collège International de Philosophie) : Profane, witzig, radical, lucide : portrait de Ph. Lacoue-Labarthe en Allemand ordinaire

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Antonia Birnbaum & Jakob Rogozinski
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- André Hirt (Saint-étienne) : "Sainteté" de Ph. Lacoue-Labarthe
- Esa Kirkkopelto (Helsinki) : Alles schwebt – Lacoue-Labarthe transcendantal

-14h-18h :

- Danielle Cohen-Lévinas (Paris-4) : Musique et affects politiques
- Jean-Christophe Bailly (Paris) : L’infinitif de la césure

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Jean-Christophe Bailly
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- Francis Fischer (Colmar) : Une scène primitive
- Jörn Etzold (Giessen) : Tragédie et Trauerspiel – Ph. Lacoue-Labarthe lecteur de Benjamin

- 19h-21h
(librairie Kléber, rue des Francs-Bourgeois) : Ph. Lacoue-Labarthe et le théâtre : Michel Deutsch (sous réserves), Francis Fischer, Helga Finter, Esa Kirkkopelto

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Michel Deutsch & Esa Kirkkopelto
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vendredi 23 octobre (Palais Universitaire, salle Pasteur)

– 9h-12h :

- Maud Meyzaud (Konstanz) : L’homme comme animal sans qualités
- Mira Kamdar (New York) : Le retrait du philosophe

-14h-18h :

- Marc Goldschmit (Lille) : La condition impossible de l’existence poétique

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Marc Goldschmit (& Sophie Gosselin)
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- Evelyne Grossman (Paris-7, Collège International de Philosophie) : L’"existence jouée" (lecture de Phrase)
- Jérôme Lèbre (Paris) : Un lyrisme sans moi (Ph. Lacoue-Labarthe et Celan)

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Jerôme Lèbre
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Boyan Manchev &Jerôme Lèbre
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- Boyan Manchev (Sofia, Collège International de Philosophie) : Le dernier romantique – ou de l’anarchie poétique

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Boyan Manchev
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- 19h-21h (librairie Kléber) : Ph. Lacoue-Labarthe et la poésie : Isabelle Baladine-Howald, Sara Guindani, André Hirt, Patrick Werly
samedi 24 octobre (Théâtre National de Strasbourg, salle Gignoux)

– 9h-13h :

- Susanna Lindberg (Helsinki) : Le monde comme musique

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Susanna Lindberg
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- Huang Kuan-min (Taipeh) : Incipit Vita, ou le lieu de l’affection

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Huang Kuan-Min
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- Andrea Potestà (Santiago du Chili) : L’emphase du caché

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Andrea Podestà
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-14h30-18h30 :

- Artem Magun (Saint-Petersbourg) : Le concept de mimésis chez Adorno et Ph. Lacoue-Labarthe

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Artem Magoun
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- Sara Guindani (Paris-8) : Pouvoirs de mimésis chez Ph. Lacoue-Labarthe

Sara Guindani
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- Jean-Clet Martin (Mulhouse) : Typographies

- Sylvie Decorniquet (Tours) : La vie de l’esprit et la grâce de la pensée devant la mort (Ph. Lacoue-Labarthe et J.L. Nancy)

-20h-22h, conférence de clôture - Jean-Luc Nancy : Philippe

Jean-Luc Nancy
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Anteprima: Andrea Branzi Grandi legni. Paris 10-12-2009

2009-10-20T19:19:00.000+02:00

Addio ad Aldo Buzzi

2009-10-19T20:19:00.005+02:00

Il nostro amatissimo collaboratore, lo scrittore e architetto italiano Aldo Buzzi si è spento il 9 ottobre 2009 a Milano all'età di 99 anni.
Nato a Como il 10 agosto del 1910, Aldo Buzzi, è l'autore di alcuni dei libri più interessanti della narrativa italiana del XX secolo. Scrittore atipico, sempre originalissimo, grande amico di Saul Steinberg e di Federico Fellini ed Ennio Flaiano,era una figura maggiore della cultura letteraria italiana.
Tutti i suoi libri a partire da L'uovo alla Kok edito da Adelphi, si trovano nelle librerie italiane grazie a Ponte alle Grazie, il suo editore che aveva lodevolmente ripubblicato negli ultimi anni: "Taccuino dell’aiuto-regista" con l'impaginazione di Bruno Munari, "Parliamo d’altro", "Cechov a Sondrio e altri viaggi" (in edizione ampliata), "La lattuga di Boston", "Diario di un attimo" e "Stecchini da denti Appunti di vita, di gastronomia, di viaggio". Aldo Buzzi si era laureato nel 1938 in architettura a Milano, dove ha risieduto sino alla fine. Nel 2002 aveva ricevuto il "Premio di narrativa Arturo Loria". Aveva lavorato attivamente, oltre che come scrittore e come architetto, anche per molti anni nel cinema, tra gli altri con Luigi Comencini, Federico Fellini e Alberto Lattuada. Nel 1955, in collaborazione con Federico Patellani scrive, dirige e monta il suo unico lungometraggio: "America Pagana", un documentario in Ferraniacolor sui resti della civiltà Maya, sulla sua storia e i suoi sviluppi, intervallato da quattro brevi racconti interpretati da attori non professionisti, che illustrano la realtà del Sudamerica degli anni '50.
Si devono sempre a lui l'esistenza di "Riflessi e ombre" di Saul Steinberg che preparò pazientemente con l'amico e il volume di lettere di Saul Steinberg "Lettere ad Aldo Buzzi" editi entrambi da Adelphi.
Nel prossimo numero di Chorus troverete un inedito che l'autore ci aveva gentilmente concesso e un suo ricordo.

Aldo Buzzi, da “La lattuga di Boston“, Ponte alle Grazie 2000.

«Come sta?» dissi.
«Ho preparato una proposta da sottoporre al ministro della giustizia per punire una categoria di persone che mi dà fastidio in modo particolare».
«Per esempio?» dissi.
«Per esempio quelli che, dopo aver nominato New York, se devono nominarla un’altra volta, dicono la Grande Mela. Per questi la pena dovrebbe essere l’ergastolo».
«Accidenti!» dissi.
«Sì, ma non solo per questi. Anche per quelli che, dopo aver nominato il dollaro, se devono nominarlo una seconda volta, dicono il biglietto verde; o, se devono nominare l’oro una seconda volta, dicono il metallo giallo. E stessa pena per quelli che dopo il pallone, invece di ripetere il pallone dicono la sfera di cuoio» aggiunse. «E per quelli che prima dicono il papa - una paroletta breve che fa risparmiare tempo e fatica - e poi si buttano su Giovanni Paolo Secondo?»
«Ergastolo» dissi.
«Bravo. E per quelli che, dopo aver nominato Gelli, aggiungono sempre l’ex maestro venerabile della loggia P2?»
«L’ergastolo, come sopra» dissi.
«No, la fucilazione».
«Allora» dissi, «andrebbero fucilati anche quelli che, a suo tempo, dopo aver nominato il generale Noriega, aggiungevano sempre l’uomo forte di Panama»
«Naturalmente» disse «e stessa pena per chi, a qualunque proposito, da qualunque pulpito, usa la parola millennio».
«Di questo» dissi, «sarà più difficile persuadere il ministro».
«Non importa. Io faccio la proposta. Se poi non la accettano, la vergogna ricadrà su di loro. Sto lavorando anche a un’altra proposta per punire tutti quelli che invece di ‘i gnocchi’ scrivono ‘gli gnocchi’. non c’è nessuna difficoltà a pronunciare i gnocchi, come non ci sono difficoltà a pronunciare ignoto, ignorante, ignobile. Vede, se dico ‘gli gnocchi’, dovrei anche dire ‘Alessandro Volta, l’inventore degli gnocchi di patate’».
«Ahi! ahi! E chi introduce nei cervelli queste assurdità?»
«Sono certe maestre… le figlie di quelle che un tempo insegnavano anche a scrivere ‘carne in iscatola’».
«E’ vero» dissi. «Mi ricordo una carne in iscatola che era rimasta nelle prime pagine di Tempo di uccidere di Flaiano. Ho sostituito l’iscatola con una normale scatola e Flaiano mi ha ringraziato. Allora, lavori forzati per le maestre?»
«Mah… cosa vuole… Probabilmente poche saranno ancora in vita, in pensione. Arresti domiciliari».
«La saluto, Parto. Vado in Isvizzera… Non si agiti. Sto scherzando. buon lavoro».

Un estratto dalla recensione del New Yorker di Checov a Sondrio

ABSTRACT: Begins with excerpt from a letter to the author from Saul Steinberg: "I have englarged some early Russian postcards, and looking at them one enters into that world just before our birth--a most attractive and comprehensible time, with people in uniform, military or school or workers, dogs, horses, a chainaya, a printer's on the second floor, a man in a long overcoat walking with hands clasped behind him." What follows is a look into that world, with quotations from Chekhov, Tolstoy, Dostoyevski, Gorky, etc. The story details the differences and similarities between the US and Russia; discusses vodka, prospects, Moscow, the Russian people, consumption, toilets, cabbage (the principle food), the attrocities and character of Peter the Great, the old tin signs made for the illiterate, Russian writers in Italy, the death of Chekhov, and in the final section the narrator writes, "I was born just in time to see the Russia of Chehov...at the home of my paternal grandmother in Sondrio, on the Piazzi Prospect." She was taken care of by a serf named Caterina, who lived in the house as part of the family and received no wages. In the courtyard was the serf Patato, who once was given a glass of wine, which had been absent-mindedly poured into a glass which contained an egg white. Patato drank the wine in a gulp and said, when asked that the wine was "sort of hard." A response become proverbial, which, now that he is dead, is all that remains of Patato on this earth.

Bazouges, Jouannes de 1991 à 2009

2009-10-19T10:00:00.000+02:00

Bazouges
Une rétrospective

Vernissage le jeudi 29 octobre 2009
à partir de 18h00 au 4, rue de Trévise 75009 Paris

Exposition du 30 octobre au 30 novembre
Visites sur rendez-vous uniquement Tél. 06 17 76 58 51

Toutes les informations sur www.trevise-street.com

Hans Peter Feldman

2009-10-17T20:54:00.000+02:00

Alfonso Cariolato, L'existence nue

2009-09-05T18:33:00.004+02:00

ALFONSO CARIOLATO

L'EXISTENCE NUE

Essai sur Kant.

Toute théorie de la connaissance est tentée de donner la preuve d’une coïncidence parfaite ou d’une adéquation idéale entre la pensée et l’être, entre ce que le sujet pense des objets et ce qu’ils sont en euxmêmes. Tout jugement porte donc sur des objets qui ont toujours déjà été posés dans l’existence. De la sorte, dire d’un objet qu’il existe n’enrichit ni cet objet ni la connaissance qu’on peut en avoir. Telle est la thèse qui traverse toute l’oeuvre de Kant : "être n’est pas un prédicat réel". Mais qu’en est-il de l’existence elle-même, de l’existence dans sa nudité absolue ?
L’auteur découvre chez Kant la possibilité de penser cette "existence nue", mais il constate que cette posssibilité n’est pas exploitée – c’est pourquoi il parle de "promesse". Alfonso Cariolato se garde bien d’en faire le reproche à Kant ; il montre au contraire combien le kantisme ouvre à une pensée de l’exister, de la surprise d’être – une pensée qui demeure inaccomplie.
Kant ne peut donc pas être rangé, comme le prétend Heidegger, dans l’histoire de la métaphysique, c’est-à-dire de l’oubli de l’être. Il doit plutôt être reconnu comme celui qui a poussé jusqu’à ses dernières limites les conditions de la représentation ; c’est dire qu’il a reconnu le trouble que crée dans la pensée ce Dehors qui résiste à se laisser enfermer dans des propositions logiques.
Comme l’écrit Jean-Luc Nancy dans sa préface : "penser a toujours été se mettre à l’épreuve de ce qui vient du dehors".

Préface de Jean-Luc Nancy.

Alfonso Cariolato est écrivain et philosophe ; il est actuellement rattaché à l’Université de Padoue.

Jean-Luc Nancy est professeur émérite de philosophie à l’Université de Strasbourg. La Transparence a réédité sa traduction (en collaboration avec Philippe Lacoue-Labarthe) de Rhétorique et Langage de Nietzsche.

A presto !

2009-06-21T15:50:00.000+02:00

Il blog di Chorus una costellazione va in vacanza per qualche settimana e con l'occasione vi augura di passare uno splendido inizio d'estate dandovi appuntamento al 24 agosto per la ripresa delle consuete segnalazioni.

Raphaël Thierry Variations [London]

2009-06-15T20:42:00.005+02:00

Raphaël Thierry

[Variations]

Thursday 18th June 2009

at

Thirteen Langton Street Gallery
13 Langton Street, Chelsea, London SW 10 0JL

until Saturday 27th June 2009

Christophe Clavert, Mon coursier hors d'haleine au Magic Cinéma

2009-06-02T11:37:00.012+02:00

Chorus une constellation invite ses lecteurs français et en particulier parisiens à se rendre à la projection spéciale de Mon coursier hors d'haleine de Christophe Clavert ce lundi 15 juin à 20h00 dans la prestigieuse salle du Magic Cinéma de Bobigny

Centre commercial bobigny II
Rue du Chemin-Vert
- 93000 - Bobigny -
Metro Bobigny-Pablo-Picasso

Chorus una costellazione ha il piacere di segnalarvi il 15 giugno a Parigi alle ore 20, nella storica sala del Magic Cinéma, una proiezione del nuovo film di un giovane regista francese, Christophe Clavert, e vi invita a recarvi numerosi a vederne Mon coursier hors d'haleine.

Mon coursier hors d'haleine

Une troupe de jeunes acteurs part à la campagne répéter pendant quelques jours la trilogie de Figaro de Beaumarchais dans l’attente d’une subvention qui permettrait de jouer le spectacle.

Christophe Clavert

Né en juillet 1975 à Paris, l'auteur de quelques films restés jusqu'à présent injustement ignorés , parmi lesquels La bonne affaire

pour tout renseignement
christophe@supersonicglide.com

PS 2010
Mon coursier hors d'haleine

Coup de coeur [ Jonas Mekas à la Galerie du Jour ]

2009-05-16T23:16:00.011+02:00

...en double-cliquant sur l'image Long live philosophy? vous pouvez accéder directement au nouvel article de notre section Les coups de coeur de Chorus qui s'occupe aujourd'hui à sa manière de la nouvelle exposition parisienne de Jonas Mekas à la galerie du Jour Agnès b. En double-cliquant sur le lien Les coups de coeur de Chorus en revanche vous pouvez acceder à cette section du site dans sa totalité.

Philippe Lacoue-Labarthe Préface à la disparition

2009-04-25T18:08:00.004+02:00

Vers 1965, Philippe Lacoue-Labarthe, jeune professeur de philosophie à Bordeaux, fait un rêve étrange dont sa propre disparition est le motif le plus lourd, le seul évident. Il se lance dans le récit de ce rêve, où il rencontre un récit de Borges. Puis il laisse de côté cette tentative littéraire.
L'oublie. Les années passent. Beaucoup d'années. La disparition, mais cette fois effective, s'approche. En un sens elle est là, et peut-être même a-t-elle toujours été là, comme un précédence, un absolu, une fondation. À ce moment-là, Philippe Lacoue-Labarthe se souvient de ce texte ancien, et pense le reprendre. Mais il ne le peut plus, il est trop tard - il écrira seulement
une brève postface, entièrement bouleversante. C'est ce double mouvement de retour et de départ que l'on trouvera ici, sous le titre définitivement provisoire que lui donna l'auteur.

à l'occasion de sa parution
chez Christian Bourgois

Jean-Christophe Bailly

présentera

Préface à "La disparition"

de Philippe Lacoue-Labarthe

Le mercredi 29 avril 2009

à partir de 19h

à

La librairie Michèle Ignazi

17, rue Jouy
75004 Paris

T. 01 42 7117 00
métro Saint Paul ou Pont Marie

Hirokazu Kore-Eda Aruitemo aruitemo [Still walking]

2009-04-21T09:01:00.005+02:00

ARUITEMO ARUITEMO / STILL WALKING

di Hirokazu Kore-Eda (Giappone, 2008, 35mm, 114’)

A former medic who is now an unemployed art restorer ( Hiroshi Abe) returns home with other members of his family for the 15th anniversary of his brother’s drowning death. His father (Yoshio Harada) still harbors resentment toward him and various grievances between family and friends are gradually aired throughout their time together.

Une journée d'été à Yokohama. Une famille se retrouve pour commémorer la mort tragique du frère aîné, décédé quinze ans plus tôt en tentant de sauver un enfant de la noyade. Rien n'a bougé dans la spacieuse maison des parents, réconfortante comme le festin préparé par la mère pour ses enfants et ses petits-enfants. Mais pourtant, au fil des ans, chacun a imperceptiblement changé... Avec un soupçon d'humour, de chagrin et de mélancolie, Kore-Eda nous donne à voir une famille comme toutes les autres, unie par l'amour, les ressentiments et les secrets.

sortie en salle en France le 22 avril

Plus d'infos sur ce film

Boyan Manchev L'alteration du monde

2009-04-20T22:01:00.000+02:00

De la philosophie, oui, et de la plus pure. Et pourtant : il y a dans ce livre une vitesse, une puissance d’affirmation, une brutalité presque, aussi peu professorales que possible. Il y a beau y être question de Heidegger, Merleau-Ponty, Levinas, etc., c’est de Bataille, dont il y est davantage question encore, que ce livre tire ces qualités rares, et fort prometteuses. Un Bataille comme il n’a pas encore été lu ou pas assez et pas assez radicalement – pas assez radicalement en philosophe, le philosophe qu’il fut, le fût-il sur un mode « extravagant ». Croyait-on connaître cette œuvre, on la découvre encore.

L'Altération du monde mise sur un matérialisme radical. Alors que le monde s’altère chaque jour sous nos yeux, Boyan Manchev revendique, à la suite de Georges Bataille, le concept d’altération en tant que concept moteur d’une axiomatique aïsthétique, pour penser le monde dans son altération, en tant que cette altération même.

L’Altération du monde n’est pas un livre sur Bataille mais un livre à partir de Bataille. C’est vrai, son œuvre y est abordée dans le contexte de la philosophie de son époque – dans son rapport à la phénoménologie en général, à Husserl, à Bergson, à Heidegger, à Levinas, à Blanchot, à Merleau-Ponty, à Lacan. Avec la perspective ouverte par sa pensée, Bataille participe de plein droit (on ne l’a qu’assez peu soutenu) à la profonde transformation de la pensée philosophique moderne ; non seulement il contribue aux questionnements principaux de son temps, mais il traduit aussi l’exigence de l’époque d’une manière à la fois intuitive et exemplaire. Or l’œuvre de Bataille fonctionne avant tout comme une modalité critique de la pensée, comme une perspective. Boyan Manchev désigne la méthode de Bataille – visant à relancer l’effectivité philosophique – par le terme de surcritique. Le noyau de cette méthode, et par conséquent du livre dans son ensemble, n’est autre, on l’a vu, que le concept d’altération, introduit par Bataille dans le contexte de sa réflexion sur les « origines de la représentation figurée ». Ce livre prétend en mesurer les conséquences, en l’expérimentant suivant trois modes, qui pour être différents n’en sont pas moins liés :

1. Une axiomatique de l’expérience sensible, indissociable d’une vision de la matière et développée à partir du concept d’altération. Dans cette perspective, s’ouvre la question d’un matérialisme héraclitéen, « bas » selon le terme de Bataille : un matérialisme qui comprend la matière non pas en tant que substance en puissance mais en tant que puissance altérante.

2. Une (sur)critique de la représentation et de sa visée « ocularcentrique » (selon le terme de Martin Jay), qui s’articule à l’égard de la critique radicale de la représentation effectuée par la modernité philosophique et artistique et, plus particulièrement, par la phénoménologie. Dans cette perspective, l’altération sera pensée en tant qu’alternative à l’opposition représentation-expression, alternative qui dynamise le champ esthétique.

3. Une éthique radicale, dans la mesure où l’aïsthétique de l’altération débouche néces-sairement sur la question de l’autre. Ce qui pose la question du rapport du champ éthique au champ politique à travers une confrontation des visions de Bataille et de Levinas.

L’essentiel dans ce parcours consiste à éclaircir, à travers le nœud de l’altération, l’articulation commune de ces trois champs. Pour cela, l’auteur revendique une (paradoxale) non-disciplinarité méthodologique, dont Bataille est sans doute le représentant exemplaire. La perspective ouverte par le travail critique sous chacun de ces trois modes débouchera ainsi sur une prise de position par rapport à quelques-uns des questionnements déterminants de la philosophie contemporaine – le débat esthétique autour de la représentation ; le débat éthique – politique au fond –, autour de la figure de l’autre ; et le débat ontologique. Le fil rouge de ce trajet conceptuel est assuré par l’analyse critique du champ du visible – la vision, le regard ainsi que la figure du visage –, qui s’est réservé le statut d’accès privilégié à l’être. Cette analyse critique mène ainsi à une surcritique de l’expérience de l’être.

Les trois modes sont développés dans une perspective ontologique transformée qui ne manque pas d’affronter le monde dans son altération actuelle. Penser donc le monde dans son altération, en tant que cette altération même, veut dire suivre le geste surcritique de Bataille : briser l’oubli de la philosophie disciplinaire qui est l’oubli de l’agir dans le monde. Bataille brise cet oubli en réduisant les actualisations disciplinaires figées en formes discursives pour les ramener à leur puissance énergétique, opération que Manchev nomme illustration. L’illustration n’est pas le nom de la négativité du concept ; elle est plutôt le degré intense de son effectivité : la transformation énergétique de la matière conceptuelle. L’illustration est une opération effective qui brise les chaînes de l’équivalence par la perspective de l’agir. Elle rouvre la puissance transformatrice du concept, non pour poser de nouveau l’exigence de transformer le monde mais pour transformer sa transformation.

« Selon Adorno, écrit Boyan Manchev pour présenter son livre, la dernière philosophie est celle où les concepts se transforment en images. L’illustration surcritique trace dès lors la limite de la philosophie : l’épithète de “dernier philosophe” s’accorde à Bataille mieux qu’à Hegel ou même à Nietzsche. La dernière philosophie n’est pas celle qui achève mais celle qui altère. »

Laura Erber, Storia antica

2009-04-16T12:38:00.000+02:00

Laura Erber

Storia Antica

presso l’Associazione culturale Nuovo CIB (via Marco Formentini, 10 Milano)

Via Formentini 10 Milano

Realizzata con la collaborazione
dell’Accademia di Belle Arti di Brera la mostra sarà aperta fino all’11 maggio
(lun.-ven. 10.30 – 13.30, pomeriggi su appuntamento scrivendo a dias_nina@hotmail.com).

Laura Erber mostra a Milano una videoinstallazione ispirata dalla vita e dalla poesia di Alejandra Pizarnik (1936-1972).

Marta Maranha & Diogo Saldanha

2009-04-15T21:54:00.002+02:00

Penumbra

Marta Maranha & Diogo Saldanha

17 e 18 de Abril às 22h
Sala Bebé
Rua Rosa Araùjo 19
Lisboa
Portugal

Coup de coeur

2009-03-31T11:42:00.002+02:00

Nel quadro di una serie di esplorazioni trasversali che intendiamo lanciare, incomincia oggi una collaborazione con Coline Kern che si occuperà a partire da adesso di una sezione separata del nostro sito, Les coups de coeur de Chorus, dedicata ai nostri lettori più giovani e curiosi. Vi potrete trovare una serie di segnalazioni su musica, moda, video, fotografia, cinema ed esposizioni.
Quando la vedrete apparire, cliccando sull'immagine potrete andare direttamente ai nuovi articoli, cliccando invece sul link al sito Les coups de coeur de Chorus nella sua totalità.
Si incomincia quest'oggi con una nota dedicata a Koudlam, giovane musicista sperimentale della scena parigina, misterioso complice dell'artista contemporaneo Cyprien Gaillard. Buona lettura. Prossimamente ci raggiungeranno anche altri nuovi giovanissimi collaboratori. A presto dunque su questi schermi.

Dans le cadre d'une série d'explorations transversales que nous entendons lancer, débute aujourd'hui une collaboration avec Coline Kern qui s'occupera à partir de maintenant d'une section séparée de notre site, Les coups de coeur de Chorus, qui sera consacrée à nos lecteurs plus jeunes et plus curieux. Vous pourrez y retrouver une série de chroniques sur musique, mode, vidéo, photographie, cinéma et expositions.

Quand vous la verrez apparaître, en double-cliquant sur l'image vous pourrez aller directement aux nouveaux articles, en double-cliquant sur le lien en revanche au site Les coups de coeur de Chorus dans sa totalité.
On commence aujourd'hui avec la présentation de Koudlam, jeune musicien expérimental de la scène parisienne, mystérieux complice de l'artiste contemporain Cyprien Gaillard.
Bonne lecture.
Prochainement d'autres très jeunes collaborateurs nous rejoindront aussi. A bientôt donc sur ces écrans.

João Cesar Monteiro, è nato il sito ufficiale

2009-03-03T07:35:00.005+01:00

João Cesar Monteiro, Vai e vem

www.joaocesarmonteiro.net

Inaugurazione del primo Sito web ufficiale dedicato alla figura di
João César Monteiro

in memoria del 6° anniversario dalla morte del grande Maestro

Nasce il primo portale ufficiale dedicato al Maestro João César Monteiro, uno dei registi dell'avanguardia cinematografica portoghese degli anni 60 del "Novo Cinema".
Ideatori del progetto un gruppo di ricercatori che si dedicano allo studio della cinematografia portoghese. Il sito, oltre ad essere un omaggio al pensatore, scrittore e regista, aprirà le porte a nuove prospettive sulla cinematografia portoghese. Scopo principale sarà creare una piattaforma virtuale che possa promuovere dibattiti tra professionisti dell'area, ricercatori universitari e non. Creare attraverso il portale un legame internazionale di studio sulla figura di Monteiro, inedito in Portogallo e nel mondo.

J.C. Monteiro, A comedia de Deus

Il sito ha lo scopo principale di fornire il materiale per lo studio dell'opera del Maestro. Il sito inizialmente sarà disponibile in Italiano e in Portoghese, ma a breve sarà possibile consultarlo anche in Inglese e Francese. Inoltre i responsabili stanno chiedendo la collaborazione delle Ambasciate per poterlo tradurre anche in Spagnolo, Tedesco, Cinese, Giapponese e Russo.
Sarà possibile consultare le sceneggiature manoscritte e dattiloscritte, scannerizzate dagli originali in possesso della famiglia, fotografie inedite e sarà inoltre possibile consultare il database della sua biblioteca e fonoteca privata.

J.C. Monteiro, As bodas de Deus

Liliana Navarra, madrina e responsabile del progetto, insieme a João Pedro Gil Monteiro sono ben consapevoli che l'esito di questo progetto, con queste peculiarità, dipenderà non solo dalla semplice creazione di un sito web, anche se il progetto si presenta con caratteristiche sufficienti da poter costituire una prova di successo, ma da un intenso lavoro di ricerca sull'opera di J.C.Monteiro.

Il sito, ancora in stato embrionale, è stato realizzato con una grafica semplice e lineare per rendere più rapida ed agevole la navigazione della vasta quantità di materiale che gli utenti avranno a disposizione.

Per maggiori informazioni:
info@joaocesarmonteiro.net

BLOG:joaocesarmonteiro.blog.com
FORUM: joaocesarmonteiro.forumeiros.com

Ava Rocha O futuro

2009-03-01T11:21:00.000+01:00

Gianluca Pulsoni, Armelle lunaire [una nota su Armelle Dumoulin]

2009-03-01T09:47:00.001+01:00

Armelle Dumoulin © Dide

Dal Blog dei redattori de La Gru, per loro gentile concessione, Armelle Lunaire, un interessante articolo di Gianluca Pulsoni su Armelle Dumoulin [cliccate sul testo per aprire il link]

Addio a Max Neuhaus

2009-02-24T16:28:00.001+01:00

Max Neuhaus (1939 -2009)

Max Neuhaus se ne è andato in silenzio, i mass media non hanno dedicato grande spazio a questa triste notizia.
La redazione di Chorus Una Costellazione desidera segnalarvi due piccoli testi sul lavoro di questo grande marginale, essenziale per l'arte del nostro tempo

Un articolo di Elisabeth Lebovici sul suo blog:
Le Beau Vice: Max Neuhaus sans le son

e da Abitare - international design magazine - un ricordo bellissimo di Yehuda Emmanuel Safran

Antonia Birnbaum, Bonheur Justice Walter Benjamin

2009-02-23T15:19:00.006+01:00

Le livre Bonheur Justice fait la découverte d'un élément jusqu'ici passé inaperçu dans l'oeuvre de Walter Benjamin. Comme au détour d'un chemin, le philosophe élabore une nouvelle théorie de la tragédie antique qui fait l'objet d'un chapitre de l'Origine du drame baroque allemand. Elle prend tout son relief quand on la réinscrit dans l'ensemble des textes de cette période. Antonia Birnbaum porte au jour ce bloc d'intuition philosophique, examine la pertinence de la révolte contre le règne antique de la vengeance pour les luttes de notre temps, affirme la "volonté de bonheur" comme idée motrice de la justice. Tels sont les enjeux essentiels de ce livre.

La révolte tragique intervient tel un élément excentrique dans la pensée benjaminienne. Elle ne peut être mise au compte ni d'une conscience historique du temps, ni d'une espérance messianique. Née de l'obstination solitaire et muette du héros à refuser la malédiction du destin, la justice grecque advient dans le sillage d'un corps récalcitrant. Pour élucider cette révolte qui commence avant le langage, Walter Benjamin demande en quoi le concept de justice est transformé par l'invention grecque - à même le silence du héros - d'un langage nouveau apte à diviser la vengeance, à formuler un écart entre justice et injustice.

De là les deux versants d'une même hypothèse qui traverse le livre. Le premier est que la révolte du héros tragique contre le "toujours semblable" du malheur vaudrait pour elle-même. Walter Benjamin appréhende la sédition tragique comme pure "volonté de bonheur", une force dont ni l'effectivité, ni la transmission ne relèvent d'une interruption messianique du temps. L'extension de cette "volonté de bonheur" tragique aux luttes de notre temps constitue le deuxième versant de l'hypothèse. La transposition intempestive du silence héroïque grec, sa dispersion dans les actes et les paroles indénombrables des anonymes, des "sans nom", relève d'une propagation de l'enthousiasme pour la justice qui ne doit rien à l'image de la rédemption, rien à l'imminence du Jugement dernier et ses "attributs" de sainteté : dette, souffrance, culpabilité, loi.

A ce titre, le déchiffrement de la temporalité tragique éclaire le rapport entre bonheur et justice dans les luttes de la modernité sous un jour nouveau et laisse apercevoir les révoltes historiques des opprimés dans leur radicalité profane.

Par cette traversée de Walter Benjamin, Antonia Birnbaum explore un chapitre insoupçonné des "aventures de l'héroïsme".

A l'occasion de la parution de

Bonheur Justice
Walter Benjamin
Critique de la politique Payot

la librairie Michèle Ignazi
a le plaisir de vous inviter à une rencontre avec

Antonia Birnbaum

le vendredi 27 février 2009
à partir de 19 heures

Librairie Michèle Ignazi
17, rue de Jouy
75004 Paris
01 42 71 17 00

Antonia Birnbaum, philosophe, est maître de conférences à l'université de Paris VIII

Gaëlle Obiégly, Faune

2009-02-17T15:59:00.002+01:00

Domenico Brancale, QUESTA DEPOSIZIONE RISCHIARA LA TUA ASSENZA

2009-02-12T12:57:00.004+01:00

QUESTA DEPOSIZIONE RISCHIARA LA TUA ASSENZA

7 croci di un camposanto lucano, i resti di ciò che fu piantato nel nome della nostra morte. 49 pietre del fiume Agri di questo e un altro fiume dove risuona l’acqua da millenni, scorre e ci vede scorrere, dove siamo rimasti, proprio qui nel solco di una voce, che nessun vento sparpaglia, e nessun vuoto riempie. Sempre una voce deposta sulla pietra. Sempre un silenzio piantato dentro questa croce

La voce è ferma. L’esperienza della poesia di Domenico Brancale sembra sempre vacillare invece di evolversi, si muove per barcollamenti, cadute, strappi e ferite. Ma la voce è ferma. Sempre. Lancinante e ferma. La sua voce non è una voce, ma è una ferita aperta. L’eco di un lamento tanto dignitoso quanto sostanzialmente indecente.

E ora, così cavernosa nel timbro e quindi vuota nella sostanza, risuonante, si confronta ancora di più con la carne dell’essere, l’esperienza della morte. Ma la morte intesa anche come linguaggio e opera. Perché quest’ “opera per voce” altro non è che l’ennesima prova di morte del poeta: come sempre, come è classico. E ora tutto il dettato si eclissa in un buco nero, una croce, simbolo oramai deposto dal suo ruolo di sole, dal suo contesto, l’ossario.

La voce evoca le immagini a sé: simbolo dell’assenza, decanta l’horror vacui, la sfiducia nell’uomo.

Un poeta che manca la sua voce fin dalla nascita chiede l’assoluzione e la condanna.

Catalogo in due fascicoli, uno dedicato al reportage dell’installazione e l’altro sulla poesia di Brancale con scritti di Vito Bonito, Jonny Costantino e Sandro Sproccati, a cura dell’editore CTL-presse di Amburgo con la collaborazione della Galleria Gasparelli Arte Contemporanea di Fano.

Domenico Brancale è nato in Lucania. Ha pubblicato Cani e porci (Ripostes, 2001); Canti affilati (Franco Masoero Edizioni d’arte, 2003) e Frantoi di luce (Mavida, 2006) con inchiostri di Hervé Bordas; L’ossario del sole (Passigli editori, 2007). Nel 2005 è apparsa una cartella di foto Brace (Prova d’Artista) con Giacinto Cerone, e un libro d’artista Viaggiare (CTL) con Clemens-Tobias Lange. È uno dei fondatori del libro-rivista di poesia e arte ’a camàsce (CTL).

Tra le performances si ricordano: John Giorno e Domenico Brancale (Galleria Bonomo, Bari, 2006); Krakorna in Vie teatrali del mutamento. Artaud, Bene, Grotowski con Antonio Attisani, Marco Dotti, Carlo Sini, Paolo Ferrari.(Isolacasteatro, Milano, 2006); Frantoi di luce nera con il regista Michele Schiavino (Vetrina del fare, Salerno 2006); Nessun sole sorge senza l’uomo - suoni per una voce a corda con i Fratelli Mancuso (Sant’Arcangelo, 2007); Cataletto per Aristakisyan con il regista Artur Aryistakisyan (Potenza, 2008).

installazione dell’opera per voce di Domenico Brancale

Malformato della voce Domenico Brancale

Sound design Alessandro Gulino

venerdì 6 marzo 2009
vernissage ore 18.30, performance ore 21.00

Teatro Sì

via San Vitale 67 - Bologna

ingresso gratuito

LeRoy Pollock et ses fils Lettres américaines, 1927-1959

2009-02-02T16:23:00.006+01:00

Railways cars, ca 1934, Ink and wash, 28 x 30 cm

LeRoy Pollock et ses fils

Lettres américaines, 1927-1959

Correspondance inédite

LeRoy Pollock est le père de cinq enfants : Charles, Marvin, Frank, Sanford et Paul Jackson.

'Le seul espoir d'évolution pour ce pays réside, d'un point de vue national, dans l'accroissement des protestations de la jeunesse.' Tel est le paradoxal conseil que donne un père, Le Roy Pollock à son fils, le futur grand peintre Jackson Pollock, en octobre 1929.
Paul, le cadet, raccourcira son prénom en Jackson et deviendra l'un des plus grands peintres du XXe siècle. Charles, l'ainé choisira l'enseignement et le retrait (il donnera des cours par exemple de design, gravure, calligraphie et typographie à Michigan State mais laissera une étonnante oeuvre picturale tout aussi bien à découvrir).
Le plus illustre est Jackson, mais ses quatre autres frères, notamment Charles (lui aussi par son oeuvre) ne contribuent pas moins à faire de ces lettres un document exceptionnel. Trois histoires en surgissent. Une histoire familiale, une histoire artistique et une histoire de l’Amérique.

Ce livre rassemble la correspondance inédite e la famille Pollock de 1927 à 1947. Dans ces années de bouleversement mondial, les Pollock parcourent les Etats-Unis et chacun écrit à l’autre pour lui donner des nouvelles intimes aussi bien que politiques. Cette famille unie, optimiste, généreuse, s’enthousiasme pour le New Deal du Président Roosevelt, voit apparaître le fascisme en Europe, encourage le génie créateur et tourmenté de Jackson, croit passionnément en l’art et en la possibilité de réformer le monde.

Charles Pollock

Une retrospective

Sans titre, ca 1951, Eau-forte en relief, 33,3 x 24,5 cm

Le contexte de l’exposition

Le 8 mai 1988, à Paris, Charles Pollock disparaît laissant une oeuvre importante. Constituées depuis 1998, les Archives Charles Pollock ont décidé de dévoiler l’important corpus d’œuvres réalisées par le peintre. L’exposition de l’Espace d’art contemporain de Fernet-Branca est ainsi l’occasion de présenter une sélection d’oeuvres réalisées entre 1930 et 1964.
Aujourd’hui, quelque vingt ans après la disparition de l’aîné des Pollock, la redécouverte ou la révélation de son oeuvre est en marche, et d’aucuns s’apercevront de la qualité et de la maîtrise de son art.

La démarche artistique

Enseignant, peintre et graveur, Charles Pollock est le premier des frères Pollock à s’orienter vers la peinture et à embrasser une carrière artistique.
En 1926, Charles Pollock s’installe à New York et suit les cours de Thomas Hart Benton, à l’Art Students’ League. Peintre figuratif, il s’inscrit dans le réalisme social de son maître Benton jusqu’à la fin des années 1930. Peu après la Seconde Guerre Mondiale, l’artiste s’engage dans la voie de l’abstraction.

Son oeuvre s’est alors construite sur le principe des séries. Elaboré sur un schéma répétitif, le caractère spécifique de chaque oeuvre prend toute sa force par contraste avec une oeuvre de la même série. Ce qui frappe d’emblée dans son oeuvre, c’est à la fois la rigueur et l’extrême liberté dans l’emploi de la couleur pour définir l’espace. L’exposition veut ainsi montrer la tension permanente qui existe entre les oeuvres. Tension qui trouve son point d’équilibre dans la variété des expériences chromatiques.

Véritable « expérience poétique », cette exposition permet de découvrir enfin le travail de cet artiste, et de prendre la mesure de la complexité d’une oeuvre méconnue.

Une exposition attendue

Charles Pollock bénéficie d’une forte actualité en 2008. A l’occasion des vingt ans de la disparition de l’artiste, l’American Art Contemporary Gallery à Munich et la Jason McCoy Gallery à New York organisent successivement une exposition personnelle sur l’artiste en s’intéressant plus particulièrement à la période des années 1950 à 1960.

En cohérence avec ces présentations, l’Espace d’art contemporain Fernet-Branca de la Ville de Saint-Louis poursuit l’exploration de cette période artistique, jusqu'en mai 2009.

Association pour le Musée d'Art Contemporain Fernet Branca
Président: Daniel Reibel
03 89 67 38 33 - 06 80 43 41 74
daniel.reibel@free.fr

Président de la commission artistique: Gérard Cahn

Commissaires d’exposition Florence Guionneau-Joie
Gérard Cahn

Contact Presse Paris florencegj@yahoo.fr
06.83.66.14.56

Contact Presse Saint Louis Auguste Vonville
musee-fernet-branca@wanadoo.fr
03 89 69 10 77 / 03 89 69 52 37

Coordination Auguste Vonville 03 89 69 10 77 / 06 08 58 78 43
musee-fernet-branca@wanadoo.fr
vonville.auguste@wanadoo.fr

Espace d’Art Contemporain Fernet Branca 2, rue du Ballon
68300 Saint-Louis
tel : 03 89 69 10 77
email : musee-fernet-branca@wanadoo.fr

Ouverture tous les jours, de 14h00 à 18h00 (sauf le mardi)

Tarifs Entrée : 6 €

5€ tarif réduit :
groupes 10 personnes minimum
étudiants de moins de 26 ans
Carte Cezam

Gratuité:
enfants de moins de 12 ans,
étudiants carte Culture,
MuseeumsPass

VISITES GUIDEES par Auguste Vonville Sur demande et calendrier à venir,
les visites guidées de groupes,
Renseignements :
03 89 69 10 77 ou musee-fernet-branca@wanadoo.fr

Accès Aéroport Bâle/Mulhouse (à 5 minutes) –
SNCF
Autoroute A35

La Ville de Bâle est à 5 minutes de Saint-Louis. Arrêt de bus "Carrefour" (à 3 minutes du musée) - direction Bâle station "Schifflände"

22,23 et 24 janvier FIGURES DU DEHORS

2009-01-08T10:12:00.004+01:00

COLLÈGE INTERNATIONAL DE PHILOSOPHIE

UNIVERSITÉ PARIS IV SORBONNE

Journées d'études internationales

FIGURES DU DEHORS

-

Autour de Jean-Luc Nancy

Organisées par le Collège International de Philosophie et le Centre d'esthétique, musique et philosophie contemporaine de Paris IV-Sorbonne-OMF, Ecole Doctorale « Concepts et langage »

Responsables : Danielle Cohen-Levinas et Gisèle Berkman

22, 23 et 24 janvier 2009, salle des Conférences, Maison de la Recherche, 28 rue Serpente, 75006 Paris

Jeudi 22 janvier 2009 : La politique et ses autres

9h à 13h - Conférences

- Mot d'ouverture par Georges Molinié, Président de Paris-Sorbonne (Paris IV) Danielle Cohen-Levinas et Gisèle Berkman

- Marc Crépon : Vivre avec : une pensée du monde

- Antonia Birnbaum : Nancy-Marx, Marx-Nancy

Pause

- Andrea Potesta : L'écriture des corps

- Federico Ferrari : Une distinction aristocratique

- Edoardo Ferrario : L'ontologie désoeuvrée de Jean-Luc Nancy

Répondants : Boyan Manchev et Jérôme Lèbre

14h30 à 17h - Atelier de lectures

- Sylvain Santi : Figure de la démocratie

- Jérôme Lèbre : Une vérité sans équivalent - l'évidence de la démocratie

- Raphaël Zagury-Orly : L'Ethique de Heidegger

- Jean-Christophe Bailly : Sur La comparution

Répondants : Antonia Birnbaum et Juan Manuel Garrido

Pause

17h30 à 19h - Débat : Penser le politique, depuis Vérité de la démocratie et au-delà

Jean-Christophe Bailly, Martine Cresta, Michel Deguy, Marc Goldschmit, Jean-Luc Nancy

Répondants : Marc Crépon et Sandrine Israel-Jost

Vendredi 23 janvier : Sens du monde et création

9h à 13h-Conférences

- Marie-Louise Mallet : Les Muses ou l'irréductible pluriel

- Danielle Cohen-Levinas : Du spirituel en musique chez Jean-Luc Nancy

- Juan Manuel Garrido : Le sens de l'être comme création

Pause

- Ginette Michaud : Ek-phraseis de Nancy

- Sandrine Israël-Jost : Synesthésies de Jean-Luc Nancy

Répondantes : Gisèle Berkman et Carole Dely

14h30 à 17h - Atelier de lectures

- Christophe Bident : Jean-Luc Nancy et le théâtre

- Jacqueline Lichtenstein : Sur Le plaisir au dessin

- Tomokazu Baba : La déconstruction du paysage (Au fond des images)

- Federico Nicolao : Mano a mano - l'impulsion du réel et du rien

- Jonathan Degenève : La “cinéfilie“de Jean-Luc Nancy

- Christopher Fynsk : Présence de l'image

Répondants : Danielle Cohen-Levinas et Gisèle Berkman

Pause

17h30 à 19h - Atelier de lectures

- Evelyne Grossman : Corps, affect, corpus

- Boyan Manchev : Que veut dire "ontologie du corps"? La métamorphose du monde

- Richard Rand : Sur Corpus et sa traduction

- Franson Manjali : Le corps du sens, le sens du corps

Répondants : Federico Nicolao et Tomakazu Baba

Samedi 24 janvier : Déconstructions

9h à 13h - Conférences

- Jean-Michel Rey : Quelques questions sur la Déclosion

- Marc Goldschmit : Ouvrir le monde - à sa finitude. Depuis l'espacement judéo-chrétien

- Joseph Cohen : Penser auprès de…

Pause

- Fernanda Bernardo : Jean-Luc Nancy, Jacques Derrida : partages de l'interruption

- Gisèle Berkman : Une pensée du dehors

Répondantes : Danielle Cohen-Levinas et Antonia Birnbaum

14h30 à 16h - Atelier de lectures

- Alfonso Cariolato : Foi, rien et déclosion

- Martin Crowley : Ensemble sans l'être, grâce à rien

- Yuji Nishiyama : La christologie de Jean-Luc Nancy

Répondants : Joseph Cohen et Didier Cahen

Pause

16h30 à 18h : Discussion sur la déconstruction du christianisme

Suzanne Lindberg, Didier Cahen, Erich Hoerl, Jean-Luc Nancy, Marc Goldschmit

Répondantes : Danielle Cohen-Levinas et Gisèle Berkman

Clôture des journées d'études : Jean-Luc Nancy

Buon Natale

2008-12-25T10:00:00.001+01:00

Auguri di buone feste a tutti i lettori di Chorus una costellazione

Chorus segnala :

2008-12-09T15:31:00.003+01:00

Esa Kirkkopelto
Le théâtre de l'experience
Contributions à la théorie de la scène

La conception métaphysique de la mimèsis a informé notre approche du théâtre dans la tradition occidentale.
Le concept-limite, qui met en crise l'idée figurative de la présentation, et qui prépare le terrain pour une idée non-figurative du théâtre, est la scène. Ce que nous entendons par " théorie de la scène ", c'est le domaine de réflexion où, depuis Platon, les philosophes ont cherché à théoriser la présentation théâtrale, le jeu scénique, afin de l'ajuster aux exigences de la communauté humaine et de ses institutions symboliques.
Ce livre prend le chemin inverse et cherche à analyser et déplacer les valeurs métaphysiques, religieuses et politiques de la question, par la voie de leur mise en scène. La réflexion se fait ici dans la proximité des pratiques théâtrales, en partant des conditions effectives de la scène, de la compréhension scénique - qui n'est pas le seul fait des spécialistes du théâtre, mais appartient aussi à ses amateurs, à tous.
Mettre en évidence l'originalité et le sens de cette compréhension suppose de répondre à la question : comment la scène engage-t-elle notre expérience ?

Sommaire

ENTREES

Généralités
Scène de la déconstruction
Origines

ECLAIRCISSEMENT DE LA SCENE

Naissance d'une question
Kant et les limites de la présentation de l'homme
Schiller et la mise en scène de la moralité
Schelling et la tragédie de la métaphysique
L'Empédocle de Hölderlin ou l'éclaircissement de la scène

L'OBJET SCENIQUE

Kant et les Grecs
L'objet et l'objectivité dans la première Critique
L'" Analytique du sublime " et l'objectivité
L'expérience comme puissance : une lecture de l'" Analytique du sublime dynamique "

Editeur: PU Paris-Sorbonne

Collection: Theatrum Mundi
ISBN: 978-2-84050-603-4

EAN: 9782840506034

456 pages

Diane Arbus, Retrospective imprimée 1960-1971

2008-12-05T18:04:00.004+01:00

Pierre Leguillon
présente

Diane Arbus : rétrospective imprimée, 1960–1971

6 décembre 2008 — 8 février 2009

Vernissage :
Vendredi 5 décembre, de 18h à 21h

Pierre Leguillon présente à la Kadist Art Foundation la première rétrospective de l’œuvre de Diane Arbus (1923–1971) organisée en France depuis 1980, qui réunit l’ensemble des images commandées à la photographe new-yorkaise par la presse anglo-américaine dans les années 1960.

L’exposition présentera les pages originales des magazines, notamment de ‘Harper’s Bazaar’, ‘Esquire’, ‘Nova’ et ‘The Sunday Times Magazine’. Toujours pensées specifiquement par Diane Arbus pour le support presse, ces photographies sont exposées pour la première fois dans leur format original.

Cette collection privée comporte de plus de 150 photographies, qui déclinent le regard si direct de Diane Arbus à travers une grande variété de sujets : reportage, portraits d’anonymes et de personnalités (Norman Mailer, Jorge Luis Borges, Lilian et Dorothy Gish, Mia Farrow, Marcello Mastroianni, Madame Martin Luther King...), photographies de mode enfantine, et plusieurs «essais photographiques » en images, légendées ou commentées par la photographe.

En présentant les magazines originaux, l’exposition met l’accent sur des choix formels de mise en page, et replace les photographies dans le contexte social ou politique de l’époque.
Pierre Leguillon insère dans l’exposition quelques textes ou images d’autres photographes (notamment Walker Evans, Annie Leibovitz, Victor Burgin, Wolfgang Tillmans, la Documentation Céline Duval ou Matthieu Laurette) qui font directement, ou indirectement, référence aux images présentées.
L’accrochage dans son ensemble propose des rapprochements inédits qui viennent renforcer l’actualité de cette œuvre majeure du XXe siècle.

Cette première rétrospective de l’œuvre de Diane Arbus (1923–1971) jamais organisée en France depuis l’exposition du Musée national d’Art moderne au Centre Georges Pompidou en 1980, réunit l’ensemble des images commandées à la photographe new-yorkaise par la presse anglo-américaine dans les années 1960.
Si certaines de ces photographies sont devenues des icônes de l’Amérique contemporaine, et plus généralement de l’histoire de la photographie, d’autres constituent encore aujourd’hui de véritables découvertes.
La diversité des sujets des reportages offre en effet un spectre très large du talent de Diane Arbus: reportage, portraits d’anonymes et de personnalités, mode enfantine, et enfin, plusieurs « essais photographiques » qu’elle légende ou dont elle signe les textes (“The Vertical Journey”, “The Full Circle”, “Auguries of Innocence”...).
Diane Arbus (1923–1971) a commencé à travailler pour la presse en assistant son mari Allan, dans les années 1950.
Ils réalisent ensemble des campagnes publicitaires et surtout des photographies de mode, souvent prises dans leur studio, à New York.
Les images ne renouvellent pas beaucoup le genre mais connaissent un certain succès, et le
couple signe de nombreuses couvertures pour des magazines comme ‘Glamour’, ‘Seventeen’ ou ‘Mc Call’s’, dont certaines sont présentées en introduction à l’exposition. Ce n’est que vers la fin des années 1950 que Diane Arbus développe son travail personnel. Elle se sépare de son mari et suit les cours d’Alexey Brodovitch, qui dirige alors le ‘Harper’s Bazaar’, à la New School de New York, puis ceux de Lisette Model, dont la personnalité et l’œuvre auront toujours sur elle une grande influence.
Dès 1960, la presse magazine va jouer un rôle central dans la carrière de Diane Arbus, avec la publication de son premier essai photographique dans ‘Esquire’, “The Vertical Journey” [Voyage à la verticale] – photographié au 35 mm –, qui montre des personnalités très différentes à un instant T du New York du début des années 1960.
« Comme la plupart des photographes de son temps, Diane Arbus considérait les magazines comme le seul moyen de gagner sa vie en faisant des photos ; ce n’était pas seulement agréable, c’était essentiel. » (Doon Arbus et Marvin Israel, New York, 1984 dans Préface de « Diane Arbus Photographe de presse », Editions Herscher, Paris, 1985).
Bien que la plupart de ces photographies répondent à des commandes, elles lui permettent d’affirmer le style frontal si particulier de ces portraits en pied.
L’exposition adopte un point de vue singulier en présentant les pages originales des magazines, qui constituent la première – et parfois la seule – apparition de ces clichés. Elles sont directement exposées au mur.
La légende de la photographie, le titre et la date de parution du magazine, figurent presque systématiquement sur la page elle-même, n’appelant donc aucun autre commentaire. La présentation, dénuée d’artifices, statue sur une forme d’anthropologie des images capable d’interroger directement leur circulation et leur économie.

En privilégiant leur contexte de publication, l’accrochage met l’accent sur la qualité de la mise en page de magazines comme ‘Harper’s Bazaar’, ‘Esquire’, ‘Nova’ ou ‘The Sunday Times Magazine’ dans les années 1960. Les belles marges ménagées autour des images jouent dans l’exposition comme autant de passe-partout, comme si les photos étaient naturellement – déjà – encadrées... La composition des titres et chapeaux, et la hiérarchie des multiples signatures, renvoient pour leur part plus directement à la tradition de l’estampe.

Pour la première fois, suite àla décision du commissaire de l'exposition, ces photographies ne sont donc pas dissociées de leur contexte rédactionnel. Diane Arbus travaillait en effet en étroite collaboration avec certains journalistes, et plus encore, avec les directeurs artistiques de ces magazines. A de rares exceptions, les photos ne sont pas recadrées, et publiées à un format d’environ 30 x 30 cm – proche, voire plus grand que les tirages d’exposition de musée –, ce qui légitime pleinement de les présenter de façon si directe. Paradoxalement, la pauvreté du support renforce le soin collectif apporté à la diffusion de ces clichés. En effet, journalistes, graphistes et photographes travaillent alors de pair à une diffusion précise et soignée de l’information. Cette vigilance et cette créativité sont à l’époque leurs seuls moyens pour lutter contre la domination
galopante de la télévision. L’apparition presque systématique de « signatures », que ce soit celle des photographes ou des écrivains qui publient des articles ou des nouvelles inédites, marque un tournant amorcé dans les années 1950, qui voit la presse magazine américaine devenir le théâtre de véritables enjeux culturels et esthétiques.
L’exposition réunit plus de cent cinquante images différentes, dont une partie sera exposée au mur. Les images qui ne sont pas accrochées pourront néanmoins être consultées à la demande, dans une boîte à archives où figurent également les articles originaux, in extenso.
Parfois, l’accrochage ménage quelques intrusions ou « percées » contemporaines pour montrer le regard que d’autres photographes ou artistes ont, directement ou indirectement, porté sur ces images : Walker Evans, Victor Burgin, Annie Leibovitz, Wolfgang Tillmans, Matthieu Laurette, la Documentation Céline Duval, Jack Pierson...
Ces photographies sont elles aussi présentées dans leur contexte de publication. Si ces rapprochements viennent confirmer la fortune critique de l’œuvre de Diane Arbus ils soulignent aussi la prégnance de certaines photographies dans l’inconscient collectif américain.
La photographie du « Jeune patriote avec un canotier, des badges et un drapeau, attendant pour
marcher dans le cortège de la manifestation pro-guerre [du Viêt-nam] à New York », en 1967, est ainsi, dès 1969, commentée par Walker Evans, dans un livre intitulé : "Quality, Its Image in the Arts". Puis elle fait la couverture d’Art Forum’ en 1971, et a très récemment été l’objet d’un pastiche dans une caricature publiée par le ‘New Yorker’, où George Bush porte le fameux canotier et des badges pro-Obama.
La mythologie qui entoure le personnage de Diane Arbus est volontairement mise à distance au profit d’un regard plus neutre sur une partie aujourd’hui moins connue de son œuvre, bien qu’ayant fait l’objet d’une diffusion de masse.
Beaucoup des personnages qui figurent dans ces sujets de commande semblent moins sensationnels au premier abord que les « freaks » qui ont rendu le travail de Diane Arbus si célèbre, depuis la rétrospective que lui consacra le MoMA de New York en 1973, deux ans après son suicide. Pourtant, en « feuilletant » l’ensemble de ses contributions pour la presse, la «méthode » de Diane Arbus, sa façon si particulière d’installer le modèle dans sonenvironnement, ressort très distinctement. De longues séances de poses, parfois répétées, intimait au modèle de « lâcher prise » alors qu’il ne cesse jamais de fixer l’objectif, droit devant. C’est sans doute la rigueur de leur construction qui permet à ces images de garder, aujourd’hui encore, toute leur actualité.

Pierre Leguillon

Diane Arbus

Diane Arbus (1923—1971, née Némerov) commence à pratiquer la photographie dès les années 1940.
Fille d’un fourreur, Diane grandit dans les quartiers chics de l’Upper West Side à New York. À l’adolescence, elle rencontre Allan Arbus, qui deviendra son mari et le père de ses deux filles. Elle débute sa carrière en travaillant à ses côtés pour des magazines de mode comme ‘Glamour’, ‘Seventeen’ ou ‘Mc Call’s’. Au milieu des années 1950, elle acquiert une indépendance professionnelle et étudie alors à la New School de New York avec Alexey Brodovitch ; mais c’est à partir de 1957 en suivant les ateliers conduits par Lisette Model qu’elle trouve une réelle complicité artistique. En 1963, puis en 1966, elle obtient une bourse de la fondation Solomon R. Guggenheim qui lui permet de concentrer son activité à New York et ses alentours. Elle se fascine pour les personnages hors normes, travestis, monstres de foire (les «freaks»), naturistes, jumeaux... À la recherche d’expériences et de rencontres, elle multiplie les clichés, toujours en noir et blanc, et cherche à révéler l’intimité entre le photographe et la personne photographiée sans complaisance.
En 1967, elle participe à l’exposition « New Documents » qui se tient au Musée d’art moderne de New York avec des portraits qui côtoient les vues urbaines de Lee Friedlander et Garry Winogrand. Son travail reçoit un accueil controversé, mais ses photographies s’imposent comme de véritables œuvres artistiques loin du simple reportage photographique.
Elle consacre les derniers mois de sa vie à une longue série réalisée dans des hôpitaux psychiatriques, qui ne sera publiée qu’après sa mort, sous le titre « Untitled ». Elle se donne la mort en juillet 1971 à Greenwich Village. Son travail aura marqué l’histoire de la photographie en influençant plusieurs générations d’artistes.

Bibliographie :

- « Diane Arbus Revelations », Random House, New York, 2006
- « Diane Arbus, Magazine Work », Aperture, New York, 1984
- « Diane Arbus, Photographe de presse », Editions Herscher, Paris, 1985 (épuisé)
- Patricia Bosworth, « Diane Arbus, Une biographie », Seuil, Paris, 2007
- Patrick Roegiers, « Diane Arbus ou le rêve du naufrage », Perrin, Paris, 2006
- Susan Sontag, « Sur la photographie », Editions Christian Bourgois, Paris, 1993

Pierre Leguillon

Pierre Leguillon est artiste, il est né en 1969. Il a développé au début des années 1990 une activité de commissaire d’exposition et de critique, en créant une revue d’une seule page, ‘Sommaire’ (35 numéros de 1991 à 1996), puis en collaborant au ‘Journal des Arts’, à ‘Art press’ (Hors-série « Oublier l’exposition » en 2000), puis à ‘Purple’ (chroni- que « Calme plat » autour des objets imprimés de 2002 à 2004). Parallèlement, il a photographié de nombreuses expositions qu’il a commencé à rejouer depuis 1993 au sein de diaporamas, dont il augmente et renouvelle chaque fois le contenu (Centre d’Art et du Paysage de Vassivière en Limousin, Maison Rouge et Ménagerie de Verre à Paris, LIFE à Saint-Nazaire, Secession à Vienne, Temple Gallery à Philadelphie...). Depuis octobre 2008, il a ouvert à Bordeaux, au Capc, une franchise de «La promesse de l’écran», un espace de projection initié à Paris en 2007. La galerie Song Song à Vienne lui consacre une exposition personnelle de décembre 2008 à janvier 2009. Enfin, le «Diaporama (vestiaire)», collection Fonds national d’Art contemporain, sera projeté à New York, à Artists Space, en janvier 2009.

Hommage à Philippe Lacoue-Labarthe

2008-12-04T00:45:00.000+01:00

vendredi 5 décembre

De 19h30 à 21h30.
Palais des Beaux-Arts - grand auditorium - Place de la République - Lille.

Jean-Luc Nancy,
Fethi Benslama,
Jean-Christophe Bailly,
Marc Goldschmit,

CLAUDE DITYVON au CENTRE REGIONAL DE LA PHOTOGRAPHIE NORD PAS DE CALAIS

2008-11-26T02:28:00.004+01:00

Suite au décès récent de Claude Dityvon et dans le cadre de la manifestation "Le Temps du Regard", Pia Viewing et le CENTRE REGIONAL DE LA PHOTOGRAPHIE NORD PAS DE CALAIS proposent dans la galerie de l'ancienne poste un hommage à ce grand photographe, conçu par sa femme, Chris Dityvon. L'exposition est composée d'une soixantaine de photographies prises à des époques différentes - ce sont des paysages, des terrains, arpentés par le photographe en quête, sous des lumières tangibles de l'aube et du crépuscule.

Du 22/11/2008 au 11/1/2009
Jours d'ouverture : lundi, mardi, mercredi, jeudi, vendredi, samedi, dimanche
Fermeture exceptionnelle le : 25/12/2008, 26/12/2008, 31/12/2008, 1/1/2009
Horaires : Du lundi au vendredi de 13h à 17h, samedi et dimanche de 15h à 19h.

CRP
place des Nations
DOUCHY LES MINES 59282
Téléphone (+33) 327 435 650

Jerôme Combier, Anima foglia

2008-11-11T11:14:00.004+01:00

Ce soir dans des salles du musée du LOUVRE qui étaient exceptionnellement ouuvertes pour le concert, dans le cadre de la carte blanche à Pierre Boulez a eu lieu la première de

Jerôme Combier, Anima Foglia

Pièce pour violon solo, création française, commande du Musée du Louvre et de la Lucerne Festival Academy

Le Louvre a invité Pierre Boulez
du 11-11-2008 au 02-12-2008
Le concert a eu lieu en liaison avec l'exposition «Pierre Boulez. Œuvre : Fragment ».

programme:

Mardi 11 novembre à 21 h
Musiciens de la Lucerne Festival Academy

Béla Bartók : Sonate pour violon Sz.117 "Melodia"
Jérôme Combier : Anima foglia pour violon
Wolfgang-Amadeus Mozart : Adagio pour deux clarinettes et trois cors de basset en si bémol Majeur K.411 (484a)
Johannes Fischer : dans le cadre - Mozart mobile pour pour deux clarinette et trois cor de basset
Giovanni Gabrieli : Canzone pour ensemble de cuivres
Ondrej Adamek : Coups d'ailes pour octuor de cuivres
Franco Donatoni : Mari pour marimba solo
Johannes Boris Borowski : Sterben pour marimba solo

Pierre Boulez et le Louvre ont imaginé un programme autour de la question de l’inachevé et du fini, de l’interrogation même du processus de création artistique. Entre pièces maîtresses de la musique du XXe siècle et compositions d’aujourd’hui, des œuvres de Schoenberg, Debussy, Stravinski, Bartók, Boulez, Fujikura, le Rothko Chapel de Feldman et six commandes du musée à de jeunes compositeurs alimentent le propos de Pierre Boulez. Christine Schäfer, Pierre-Laurent Aimard, Maurizio Pollini, Christian Tetzlaff, Martin Fröst, l’Ensemble intercontemporain, les Cris de Paris, l’Orchestre de Paris et de jeunes artistes talentueux se joignent à ce programme.

L'auditorium présentera également, du jeudi 6 novembre au mardi 2 décembre 2008, des manifestations (conférence, débat, colloque, Musique filmée, Publication) en lien avec l'exposition.

Une retransmission du concert est prevue sur le site de France Musique et à la radio le 01/12/2008
à 14h30

Laura Erber: "O funâmbulo e o escafandrista"

2008-10-31T10:19:00.005+01:00

Chorus una costellazione segnala e sostiene la nuova mostra di Laura Erber, O funâmbulo e o escafandrista e invita tutti i suoi lettori a visitare il bellissimo sito internet dell'esposizione.

Dal 7 novembre al 13 dicembre 2008
Novembroartecontemporanea
rua siqueira campos
143 sobreloja 118 copacabana
Rio de Janeiro

Davide Nota Lettera aperta agli studenti

2008-10-28T20:22:00.005+01:00

In occasione dello sciopero generale del 30 ottobre e della manifestazione nazionale a Roma [UNITI PER LA SCUOLA DI TUTTI] avevamo ricevuto da parte dello scrittore Davide Nota una lettera aperta agli studenti che stavano manifestando. L'avevamo pubblicata proprio pochi giorni prima che la cronaca confermasse purtroppo le paure dello scrittore:

Davide Nota

Preveniamo le infiltrazioni studiando Pasolini

Questa è una lettera aperta, rivolta agli studenti delle scuole superiori e delle università italiane, che finalmente si riversano nelle strade e dentro le scuole del Bel paese, per dire al Potere politico, italiano e mondiale, che la crisi finanziaria non si paga attentando al patrimonio dei diritti repubblicani.

Sotto accusa, diretta o indiretta, è un'intera epoca, che impareremo nei prossimi anni a definire “Il trentennio” (della colonizzazione mercantile, militare e psichiatrica), e che tutto sommato aveva pensato di poter prima svincolare, e poi anteporre, la trama economica a qualunque contesto o disegno di società e di comunità.

Io vi ringrazio, cari studenti. Con tutto il mio cuore di poeta, innamorato della vita e dell'umanità, e della politica intesa come volontà collettiva di realizzare speranze.

Voi siete i primi agenti spontanei di un risveglio probabilmente epocale. Sentitevi investiti di una enorme responsabilità.

Perché questo è un risveglio che potrà diffondersi dalle scuole alla società, sino ad irradiarsi nel mondo soffocato dello sfruttamento interinale, ed anche, magari, nel disagio classista dei nuovi proletari extracomunitari.

State spegnendo la televisione. Scoprendo pubblicamente che tutto il mondo sino ad oggi rappresentato, altro non era che una platonica grotta di ombre virtuali.

Arrivo al dunque.

Siete una realtà potenzialmente molto importante, e per questo hanno già deciso di infiltrarvi.

L'eventualità di un risveglio collettivo non allieta le notti di chi da trent'anni è abituato a concepire la cittadinanza come massa di infanti da distrarre o impaurire.

Hanno deciso di infiltrarvi per pilotare la vostra inesperienza verso una nuova Genova.

Lo suggerisce con antica e nota ambiguità il Presidente emerito Cossiga: “infiltrare il movimento con agenti provocatori pronti a tutto, e lasciare che per una decina di giorni i manifestanti devastino i negozi, diano fuoco alle macchine e mettano a ferro e fuoco le città” (23/10/08, “Quotidiano nazionale”).

Ufficializza la provocazione “Il Giornale” del 26 ottobre, che apre con il titolo: “Scuola, nei cortei rischio infiltrazioni BR”.

La minaccia, nemmeno troppo velata, è già stata consegnata: se il Movimento studentesco non si sgonfia, sarà destabilizzato dall'interno, perché l'attuale classe dirigente non può permettersi che la protesta contamini il mondo del lavoro.

Dovete per questo prevenirvi. Immunizzarvi.

Irradiare consapevolezza e responsabilità, dove possono annidarsi irrazionalità e ignoranza (e quindi violenza).

Suggerisco di inserire nei programmi didattici delle occupazioni e delle autogestioni scolastiche, laboratori di studio sulle infiltrazioni terroristiche e militari all'interno dei movimenti studenteschi degli anni '70.

Si potrebbe partire, ad esempio, dallo studio degli atti della “Commissione parlamentare di inchiesta sul terrorismo in Italia e sulla mancata individuazione dei responsabili delle stragi”, presieduta dall'Onorevole Giovanni Pellegrino.

Studiare gli errori del passato, per prevenire le trappole del presente.

Ma soprattutto, occorre formulare un vero e proprio “antidoto culturale” che renda il Movimento naturalmente impermeabile ad ogni tentativo di manipolazione esterna, ideologica o militare.

Consiglio in questo senso la rilettura degli Scritti corsari e soprattutto di Petrolio di Pier Paolo Pasolini, che è davvero un romanzo antropologico sugli anni di piombo e sul Novecento.

Ed anche un libro importantissimo come L'eresia di Pasolini (Effigie, 2005) di Gianni D'Elia, che invita ad uscire dal dualismo dello scontro e al battesimo di una nuova Sinistra culturale, che sappia leggere Marx ma anche Leopardi, e che non debba mai più trovarsi a dover scegliere tra umanità e responsabilità, tra lotta e poesia.

Roma, 28 ottobre 2008
Davide Nota

Laura Erber : "Júlio Miranda: Um olhar em off"

2008-10-06T17:08:00.006+02:00

Per gentile concessione dell'autrice e dalla rivista Zé Pereira continuando tra l'altro così per i nostri lettori l'esplorazione delle riviste contemporanee e una immaginaria collezione di quanto ci piace in questo momento sul pianeta, riproduciamo il ritratto che la scrittrice ed artista Laura Erber ha scritto di Julio Miranda, mitico agitatore culturale brasiliano, direttore della videoteca Polytheama nel centro di Rio de Janeiro.

Que a experiência do espectador seja algo inventivo e ardente, muitos autores dos anos 70 não cessaram de nos fazer lembrar, desmistificando a idéia de consumo passivo que, infelizmente, continua a mover grande parte da produção comercial em literatura e cinema. Desde o seu surgimento o cinema chamou atenção pelo seu impacto sobre o público, produzindo e provocando sensações intensas de medo, vertigem, tensão e sofrimento. Junto a essa exacerbação afetiva e sensorial que a projeção na sala escura sempre promoveu, surgiu também uma insaciável e nova forma de fascínio ou amor vicioso a que alguns batizaram de cinefilia.

Embora recuse veementemente – e não sem motivos, como veremos – o epíteto “cinéfilo”, Júlio Miranda é um carioca que conduz com admirável tenacidade o seu interesse pelo cinema em suas diversas linguagens e épocas.

- Sinto como se estivesse há quarenta anos fazendo filmes, vivendo filmes, vivendo sob o efeito deles”, afirma Júlio durante uma conversa na atual sede da videoteca Polytheama no Largo de São Francisco, Centro do Rio. E desde já, devemos ter o cuidado de não tomar as falas de Júlio como uma compensação ou lamento platônico, pois elas transportam um sentido amoroso, a intimidade de quem se projeta no centro criativo daquilo que admira.

- Eu quero sentir por dentro do filme, viver o interior do filme.
E é para melhor sentir os filmes pelo seu interior que Júlio começou a compor, com o cineasta Joel Pizzini, algumas “seqüências poéticas do cinema”. Funciona da seguinte maneira: os dois selecionam cenas de filmes que, pela força poética e plástica, podem ser vistas fora do contexto dos filmes de onde foram descoladas. Não há uma norma fixa ou paradigma definindo o que é poético de antemão, o que faz com que o conjunto final seja dissonante e nada dogmático:

- Adoro captar cenas e seqüências, você descobre coisas fantásticas, por exemplo quando fiz isso com “Vidas Secas” fiquei impressionado com as composições dos quadros, é tudo muito bem armado para os olhos passearem naqueles lugares desolados que o filme mostra. Aliás, com “Vidas Secas” tem uma outra coisa incrível, se você pegar o texto original do Graciliano Ramos e ler olhando o filme você percebe que o ritmo e o tempo das frases do romance é igual ao ritmo do carro-de-bois no filme, isso mostra uma sensibilidade tremenda da parte do Nelson Pereira, que nesse caso é também um leitor muito sensível.

Não é por acaso que em dezembro de 2003 Júlio recebeu o prêmio UNESCO de Cinema Arne Suksdorff, destinado a pessoas que contribuíram para o desenvolvimento dessa arte. Além de possuir um acervo de mais de seis mil títulos em VHS e dois mil e quinhentos em DVD, Julio guarda em seu acervo particular, cerca de dois mil filmes em VHS e mil em DVD. Tudo isso escolhido com muito rigor, fazendo com que esse poderoso acervo se convertesse em uma importante referência junto a estudantes de cinema, professores, críticos, diretores, atores e atrizes que vivem no Rio de Janeiro. Mas o papel de difusão da Polytheama não pode ser entendido descolado da contínua e ininterrupta difusão que Julio faz por meio de conversas, telefonemas, e-mails aos amigos e claro, nas mostras que realizou nesses vários anos, dentre as quais se destacam Fassbinder: O Anarquista da Fantasia, De Caligari a Hitler (sobre o expressionismo alemão) no Centro Cultural Banco do Brasil. Os que o conhecem já experimentaram o seu modo singular de compartilhar os filmes vistos, discutindo minuciosamente personagens, fotografia, iluminação, cenografia, revelando detalhes quase imperceptíveis dentro de uma seqüência, cena ou plano.
E foi justamente pra manter a possibilidade de diálogo que surgiu a vontade de organizar cineclubes depois que a locadora deixou de ter uma loja. Durante seis anos Julio foi o responsável pela programação de vídeo do Centro Cultural Oduvaldo Viana Filho (Castelinho do Flamengo) e por dois anos organizou e apresentou o Cineclube Arte no SESC do Flamengo.

Embora tenha organizado cineclubes durante os anos 60 enquanto cursava engenharia na Escola Nacional, foi nos anos 80, com a chegada do VHS que o acervo decolou. A Polytheama começou nos moldes de uma videoteca comercial em 1989, como um projeto de parceria com os amigos Elmar de Mello, Bento Sergio Leitão Pamplona, e o crítico José Carlos Avellar. Inconformado com a oferta de filmes do mercado, Júlio decidiu orientar as compras quase exclusivamente para filmes de arte, clássicos e de vanguarda. Segundo ele, esse critério seletivo na aquisição não apenas diferenciou a locadora mas atraiu muitos profissionais de cinema, (diretores, fotógrafos, montadores, roteiristas e professores) que passaram a ter com a Polyhteama uma relação mais próxima.
– Com o tempo, programas de TV e produtoras, passaram a procurar a Polytheama, não só para locação mas também como consulta e pesquisa – afirma Júlio.

Em 1967, ainda estudante de engenharia, Júlio e alguns colegas de turma se lançaram na realização de um documentário sobre a mudança da Universidade Federal do Centro do Rio para o Campus do Fundão. “Fundão, ano 20”, como foi chamado, discutia a precariedade das instalações da Universidade, o Campus do fundão na época já completava 20 anos de funcionamento e já estava bastante deteriorado.
– Nós queríamos mostrar o isolamento que o lugar criava, questionar aquele projeto grandioso que queria deixar os estudantes ilhados e cercados por edifícios da marinha, da aeronáutica e do exército. O Hospital das Clínicas já naquela época era um tremendo elefante branco, e já se sabia que aquilo nunca iria funcionar direito. Mas a finalização do filme foi muito precária, gastamos todas as nossas economias na filmagem e nem moviola a gente tinha, montamos num projetor de 16mm, mas o filme acabou sumindo porque a narração era do Carlos Alberto Muniz da UNE que começou a ser muito perseguido pelos militares, então tivemos que esconder o material e as bobinas acabaram sumindo… – conta Júlio rindo do próprio infortúnio, e afirma que a perda não foi tão traumática pois se sente plenamente feliz como espectador.

Foi também nos tempos de mobilização política na faculdade que Júlio criou o seu primeiro cineclube.
– Foi a política que primeiro me levou ao cinema, quer dizer, não, na verdade primeiro foram as mulheres, eu ia ao cinema procurando coisas eróticas… até que um dia, entrei num filme que tinha um cartaz muito sedutor, que tinha um anúncio que mostrava uma garota sexy de cabelo bem curtinho beijando um cara, pelo cartaz eu achei que devia ter uma transa no filme… Mas foi aí que levei um susto, era cinema mesmo! Não precisava de cena de sexo era muito impactante, era o “Acossado” do Godard e eu saí da sala perturbado, intrigado mesmo, foi aí que me apaixonei pelo cinema no sentido que eu o entendo hoje.

Numa entrevista de 1977, o escritor Roland Barthes afirmava que todo enamoramento se faz em torno de uma imagem. “Nunca estamos apaixonados a não ser por uma imagem”, dizia. Sobre Júlio se poderia dizer que está sempre apaixonado por uma imagem e que gira em torno dela muitas vezes, e nessas voltas busca sempre intelocutores com os quais compartilhar suas descobertas. É o que testemunha o cineasta Eryk Rocha:

Júlio me apresentou novas possibilidades de aproximar questões vitais ao cinema, criando outras possibilidades de leitura entre imagem e experiência, ele consegue mostrar de forma muito sincera de que maneira o cinema não se limita a ser só uma manifestação cultural. Além disso é um grande amigo que interferiu diretamente na minha formação cinematográfica, As conversas com ele não são sobre cinema, são o próprio cinema em movimento, aliás ele é um belíssimo e complexo personagem de um longa enigmático. Mas quem vai filmar? – provoca Eryk.
Outro interessante depoimento sobre essa convivência vem de Tatiana Carvalho, que começou a freqüentar a Polytheama aos 14 anos e atualmente vive em Rochester (EUA) onde conclui sua especialização em Preservação e Restauração de filmes:
No início dos anos 90 eu cursava o segundo grau e comecei a me interessar muito por cinema, mas havia poucas locadoras interessantes no Rio. Eu procurava um lugar que oferecesse mais opções, com filmes antigos e raros, foi então li um artigo no jornal sobre a Polytheama, uma locadora em Copacabana que tinha coisas como “O gabinete do Dr. Caligari” do Robert Wiene e “A Paixão de Joana D’Arc” do Dreyer que ninguém mais tinha. Quando Júlio percebeu que meu interesse era por esses filmes me recebeu de maneira muito especial. E claro, também era um privilégio encontrar o José Carlos Avellar na locadora. Depois conheci a Lúcia, sua mulher e companheira, que de noite recebia os sócios com chazinho e chocolate quente.
Para Tatiana a Polytheama teve um papel fundamental na sua trajetória profissional, depois de formar-se em jornalismo ela decidiu cursar Cinema na UFF e logo se especializou em restauração:
A influência do Júlio e da Polytheama nessa minha decisão foi determinante. Muitas coisas de cinema, que agora fazem parte de mim, eu só conheci, vi e revi por intermédio do Julio. Perco a conta de quantas vezes ele me ligou e disse: “Tatiana, consegui um filme maravilhoso, você vai ver que beleza!”, às vezes com descrições apaixonadas de cenas.

Durante uma de nossas conversas perguntei a Júlio se o seu modo de viver e conviver com o cinema fazia dele um cinéfilo:
Quem me define como cinéfilo são os outros, eu nunca me defini assim. Também não gosto de listas de filmes prediletos – e acrescenta: – Esse meu interesse pelo cinema como arte surgiu nos tempos em que eu cursava a Escola Nacional de Engenharia, mas não era um interesse só de ficar olhando, eu queria descobrir o funcionamento da cabeça do cara que imaginou aquelas imagens – e acrescenta: – …o cinéfilo é um tarado, é um voyeurista que só gosta de olhar, detesto ser chamado de cinéfilo.
O que está sendo criticado aí é uma cinefilia alienante, dos que vêem muito mas mal, cegados pelo excesso de visão. Cinefilia, talvez de fato não seja o melhor termo para definir a relação transbordante que estabeleceu com o cinema esse carioca, nascido no Andaraí, que foi durante a infância e adolescência um assíduo freqüentador das salas que um dia existiram na Praça Saens Pena.
Onde hoje vemos uma igreja, uma filial das Casas Bahia ou outra loja qualquer desse tipo, ali existia o Metro Tijuca, o Tijuquinha, o Carioca, Cinema Olinda, América.
Julio freqüentou todos eles e ainda é capaz de dizer sem piscar qual das salas tinha cadeira estofada, ou qual delas só exibia filme classe B. No Metro Tijuca ele assistiu “Quo vadis?”, “Sacaramouche”, “Pirata sangrento” e no Carioca “que tinha luzes animadas que mudavam de cor” ele se lembra de ter visto “Melodia imortal” e “Piquenique”.
Perguntado sobre suas predileções ele não titubeia mas faz questão de não criar hierarquias, entrega um time variado que, como ele próprio esclarece, não é feito necessariamente das últimas novidades, há o finlandês Aki Kaurismaki (“Ariel” e “A menina da caixa de fósforos”), o português Pedro Costa (“Ossos” e “Juventude em marcha”) e o húngaro Bélla Tar, conhecido pela densidade de seus longos planos-seqüência e cujo filme “Harmonias Werckmeister”, para Júlio “mostra de forma primorosa uma infinita procura noturna, um homem idealista mas velho, caminhando sozinho numa Hungria velha e decadente, mas que acaba revelando momentos de extrema poesia.” O interesse por Bélla Tar, um diretor muito pouco exibido nas salas de cinema daqui, é só um exemplo de como Júlio acompanha vorazmente os lançamentos em DVD. Essa voracidade revela que sua relação com o cinema não depende da sala escura ou de um ambiente apartado do real cotidiano:

– Vejo filmes em DVD e adoro poder pausar e rever, estudar as cenas. Fico louco com os lançamentos… Hoje, por exemplo, não consegui me controlar e comprei 12 filmes do Eric Rhommer uma chanchada do Franz Eichhorn que se chama “Treze cadeiras”. Há pouco tempo consegui uma preciosidade que é “A dama sem camélia”, do Antonioni, um filme sobre a história do cinema italiano através das ambições de uma atriz de terceira categoria. É belíssimo mas muito pouco conhecido.

Quando perguntei se algum filme continua reverberando nele de forma especial, respondeu:
– “Madre Joana dos Anjos”, do Kawalerowicz. Nem sei te explicar, mas nesse filme tem uma cena em que uma jovem canta uma música, e essa melodia nunca saiu de dentro de mim."

Laura Erber

Sébastien Mazière

2008-09-22T00:11:00.007+02:00

Loin du contexte de l'art, de ses "excellences" et de ses égo, un projet a attiré grâce à son énergie en ce mois de septembre l'attention de Chorus une Constellation. Un hommage que quelques amis anonymes ont voulu rendre à un très jeune photographe disparu prématurement en novembre dernier.
Dans un espace d'exposition, Mycroft, ouvert, grâce à son directeur Etienne, aux projets les plus insolites et genéreux, a lieu une petite retrospective de Sébastien Mazière .
Un collectif a operé pour que ses photographies redeviennent visibles pour quelques jours à Paris. En accompagnant l'exposition par un dossier nous avons décidé de leur donner visibilité et soutien.

La Rédaction

Sébastien Mazière à la galerie Mycroft

Du mardi 23 au dimanche 28 septembre 2008 la galerie Mycroft présentera une rétrospective du photographe Sebastien Mazière (1980-2007) .

Un groupe anonyme d’amis a souhaité rendre hommage à ce jeune artiste qui a brusquement quitté en novembre dernier la scène de la photographie contemporaine française alors qu’il en était une des figures de proue.

L’exposition constitue l’occasion de découvrir ou retrouver un corpus d’images de rare beauté. Elle s’appuie sur la grâce et la délicatesse d’une série de portraits de femmes, sur le rapport, touchant et réciproque, qui s’instaurait entre l’artiste et ses modèles

Si le spectateur est d’abord séduit par l’esthétique que ce jeune artiste savait admirablement élaborer, il prend immédiatement conscience de ce qui a généré l’œuvre, quelque chose de beaucoup plus profond: le don que le jeune artiste faisait d’un regard unique, d’une capacité de se situer au cœur des choses, la floraison d’une complicité indescriptible entre le photographe et ses modèles qui touche à la mise à nu d’un courage, d’une liberté, d’une délicatesse qui échappent à tout commentaire.

Cette œuvre qui s’inscrit dans la thématique de l’instant, de l’expérimentation sans concession et de la force du rêve, génère aujourd’hui la capacité précieuse de regarder le monde avec poésie.

L’exposition comprend des tirages de ses photographies les plus célèbres, auxquels s’ajoutent des inédits. Elle prend place alors que d’autres événements sont à venir pour donner à l’œuvre de Sebastien Mazière l’attention qu’elle mérite.

Vendredi 26 à 18 h Coline et les soliloques DJ présente un dj set en hommage à Sébastien
Dimanche 28 à 16h30 grâce à la collaboration de la famille projection d'un film de Sébastien à la présence de Guillaume Demaison, l’ami qui signe avec lui le site internet (http://www.sebastienmaziere.com)

Sebastien Mazière
Galerie Mycroft
13, rue Ternaux
75011 Paris
de mardi 23 à dimanche 27 septembre
horaire de 15 heures à 19 heures
entrée libre

vendredì 26 à 18h Coline et les soliloques : DJ SET en hommage à Sébastien

dimanche 28, à 16h 30 projection d'un longmetrage de Sébastien

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La revue Chorus una costellazione présente quelques images de Sébastien Mazière tirées de différentes collections à l'occasion de l'exposition à la galerie Mycroft de Paris

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Un appareil photo entre nous au lieu d’un verre.

Conversation avec Coline Kern

Née en 1988 Coline Kern est une jeune musicienne compositrice et dj. Active à son compte dans la musique sous le nom de P°ppermost, chef de file du projet de group Mrs Echoes, elle est aussi une figure emblématique des nuits parisiennes. Coline et les soliloques (DJ) joue au Truskel, au Tape, au Plastic, au Motel, au Ne Nous Fachons Pas et à Mains d'Oeuvres. Amie de Sébastien Mazière elle a participé à sa collection Rendez-vous. Nous avons décidé ainsi de l'interviewer...

Chorus una costellazione :

Est-ce que vous vous souvenez du jour où vous avez connu Sébastien ?

Coline Kern :

Un après-midi, alors que je descendais la rue Oberkampf, à Paris, avec une amie, un garçon en chemise à fleurs, un appareil photo à l’épaule, une casquette sur la tête et un sourire collé au visage descendit de sa bicyclette pour la saluer. Elle fit alors les présentations, et au bout d’une poignée de minutes, nous avions déjà prévu de nous retrouver le soir même au Pop In.

Est-ce qu’il vous a demandé très vite de poser pour ses images ?

En effet, le soir même !

Et vous rappellez vous de comment il a fait et de ce que vous lui avez répondu ?

Oui, nous étions en train de plaisanter tous les trois, on riait beaucoup, et il nous parla d’une série de photographies sur le thème des années cinquante qu’il avait en tête, et pour laquelle il avait pensé à moi en me voyant ! Je trouvais sa manière de poser la question tellement charmante que j’ai tout de suite dit oui.

Sébastien était quelqu’un qui dégageait une chaleur et une gentillesse profondes telles, qu’il paraissait logique d’accepter puisqu’on était tout de suite en confiance avec lui. Il ne paraissait ni sûr de lui, ni intimidé, il amenait le sujet simplement et posait la question de la même manière. Il est de ces personnes avec qui tout semble simple et enchanteur, il donnait envie de le suivre.

Qu’est-ce qu'il vous charmait de sa démarche, je veux dire avant même de voir ses images, quand vous étiez ensemble? Seriez vous à même de décrire ?

Il se contentait de me dire « voici une façade que j’ai repéré, tu peux te placer devant et on commence ! ». Alors pour moi qui n’avait jamais posé auparavant, je trouvais cela assez intimidant, je ne savais pas quoi faire, donc je lui parlais, et il n’arrêtait pas de me prendre en photo. C’était comme lorsqu’on discutait autour d’un bar, sauf que nous étions en plein milieu d’un trottoir et qu’il y avait un appareil photo entre nous au lieu d’un verre. Il changeait d’angle, n’arrêtait pas de photographier, murmurait des « Oh ! » « Ah ! » « Génial, c’est parfait ! », ça ressemblait à un jeu et c’était très agréable, nous riions beaucoup, et les gens qui passaient à côté semblaient amusés, et parfois s’arrêtaient.

(Description de l’acte photographique. Silence ? Mots ? Vous aviez la sensation que quand il était content de ce qu’il perçait par l’objectif ça se voyait ? Comment il sortait ses sujets de leur univers intérieur ? Comment il faisait en sorte que vous soyez si présente dans ses photographies ? Vous en avez une idée ? Quel rapport s'établissait-il à l’espace qui vous contournait ? Il restait longtemps avant de prendre une image ? Qui l’avait choisi cet espace ? Et comment ? Il a fallu attendre longtemps avant de trouver des lieux ? )

C’est lui qui avait choisi les endroits dans lesquels il m’emmenait, cela a pris des mois avant qu’il me rappelle pour faire cette séance, nous nous voyions mais ne mentionnions pas le sujet, je n’y pensais presque plus. A un moment, je croyais même qu’il avait plaisanté, mais quelques mois plus tard, il me rappelait pour me proposer de faire ces photos.

Et l’éclairage, la composition, la forme ?

Il comptait beaucoup sur la lumière, nous étions au mois de mai et le temps était capricieux, mais ce jour là la lumière était douce et lumineuse, et il était ravi.

Dans une de ses plus belles photos il vous photographie, et vous n'êtes presque pas là. On voit juste votre manteau, vos jambes, vos chaussures (nous pensons bien que c’est vous, non ?) Quel chef d’œuvre: parvenir par ces seuls éléments a fait ressortir on dirait presque votre émotion à ce moment là. Emotion ce n’est pas le bon mot. Mais cette … Vous êtes toute entière là et nous on ne voit qu’un bout de vous. Est-ce que vous partagez notre impression ? Cette sensation que nous avons qu’il savait tirer de rien la présence humaine, féminine dans ce cas là.

Tout ce que je sais c’est qu’il aimait beaucoup ces escarpins, et que lorsque la séance passa en intérieur (dans une laverie du XXème) il se mit à les photographier sans interruption, comme si c’était là qu’il fallait le faire. Tout ce que je sais, c’est que malgré le fait que son travail semblait instinctif, puisqu’il me laissait libre de mes faits et gestes, il savait parfaitement ce qu’il faisait et comment s’y prendre.

Souvent des photos de vêtements chez Sebastien disent tout d’une personne ou d’un corps sans qu’on le voie. C’est étonnant, non ?

A ce sujet, je ne sais pas quoi répondre, si ce n’est que Sébastien m’avait posé beaucoup de questions concernant ma garde-robe et l’avait relié au fait qu’il trouvait que j’avais des airs de Françoise d’Orléac, comme si c’était les ingrédients qui suffisaient à sa composition.

Et ensuite, plus tard, vous avez vu les photos qu'il avait faites de vous. Arrivez vous à reconstituer quels ont été vos sentiments : stupeur ? Bonheur ? Étonnement ?

Je les ai reçues en différé, au fur et à mesure que son travail avançait, il me faisait parvenir par mail les résultats potentiels de son travail, accompagnés de ses impressions et de la même question qui revenait : « Qu’en penses-tu ? J’attends tes impressions, n’hésites surtout pas à m’en faire part ! ».
A chaque fois, je ne m’attendais pas à un tel résultat, que ce soit au niveau des couleurs que de la composition, du recadrage, il transformait les lieux en émotions.

Vous avez eu la chance d’avoir l’amitié de Sébastien , pouvez vous nous parler de son amour pour l’art qui ressort si profondément - pour nous qui ne l’avons pas connu - de ses photographies ?

Nous parlions souvent de cinéma surtout, étant une grande fan de Godard et Truffaut, nos discussions tournaient autour de Françoise d’Orléac, Anna Karina, la façon de jouer, la simplicité des émotions, la beauté des images et la joie que nous procuraient ces histoires.
Nous parlions beaucoup de musique aussi, évidemment, puisque je suis Dj, et très attachée aux sonorités des années soixante, chose que nous partagions aussi.

Avez vous fait plus d’un cycle de photographies ensemble ?

Malgré le fait qu’il fut question d’une autre collection dans laquelle je devais apparaître, notre collaboration s’arrêta à sa dernière collection, l’unique fois où j’ai posé pour lui, c’était pour « Le Rendez-vous ».

Dans les portraits de Sébastien, même dans les plus solitaires ou les plus tristes il y a toujours , il nous semble, une énergie qui se dégage de l’intérieur, une sorte de confiance infinie en ce qui se passait sous ses yeux. Il nous est arrivé d’évoquer à ce sujet même le mot aujourd’hui très douloureux d’optimisme. Est-ce un leurre de notre part ou vous aviez la même sensation devant ses photographies?

Sébastien semblait concrétiser une image qu’il avait en tête lorsqu’il prenait des photos et disait : « C’est parfait ! », comme s’il savait à l’avance ce qu’il voulait, et l’obtenait ensuite. C’était très étrange puisqu’au départ, nous ne pouvions absolument pas savoir comment cela allait se passer, et pourtant…

Il y a une espèce de grâce ou de fête fragile du voir par laquelle il faisait émerger les choses qu’il aimait. Est-ce que nous nous trompons?

Je pense que Sébastien avait une manière de voir les choses, les gens, toute à lui, qui ressort absolument à travers ses clichés. Regarder ses photos c’est un peu comme voir le monde tel qu’il le percevait, à travers ses yeux. Il arrivait à faire partager autant grâce à l’amour qu’il portait à la photographie, je ne vois pas d’autre réponse !

Comme s’il y aurait eu une trahison à ne pas vous accueillir toutes telles que vous étiez. A la fois y a-t-il un décalage qu'il aurait su créer entre vos images et vous, Coline ? Vous reconnaissez-vous dans ses photos ? Quelle partie de vous que vous aimez ou dont vous êtes curieuse reconnaissez vous en ces images qui vous restent ?

Je ne pense pas qu’il ne nous accueillait pas telles que nous étions mais qu’il nous offrait une vision de nous différente de celle que nous avions de nous-mêmes : la sienne. Dans ses photographies, je reconnais ma spontanéité, ma timidité et une grande tristesse due à mon histoire personnelle. Il semblait capter des émotions qui nous habitaient, de là une certaine indécence artistiquement magistrale.

Lisa Fossengrives, qui posait pour de grands photographes - Irving Penn ou Blumenfield par exemple - et qui en a fait la fortune parlait à propos de son expérience de modèle, d’une prolongation de la danse. Elle utilisait une expression telle « une danse immobile » ou parlait de « vibrations affectives » et vous comment avez vous vécu votre expérience avec Sébastien ?

Le moment entre le début de la séance et la fin était une expérience très particulière, de laquelle je suis sortie assez chamboulée, comme après avoir partagé quelque chose de très fort. Je ne sais pas comment expliquer ça. Je pense que le terme de « vibrations affectives » qu’a employé Lisa Fossengrives est le mot juste, qui résume tout.

Un portrait est une vraie collaboration entre l’artiste et son modèle. Réaliser une belle image ne relève pas du seul photographe. Quel rapport avez vous avec les photographies que Sébastien a fait de vous et tout le long de son œuvre ?

Je pense que son travail traduit la confiance et les rapports particuliers qu’il entretenait avec chacun des modèles.

Nous tenons à vous remercier, Coline Kern, de la gentillesse avec laquelle vous nous avez accordé cet entretien.

(propos recueillis par Dide pour Chorus Una Costellazione )
luglio 2008

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Un traducteur d’âmes par l’image

Conversation avec Claire Cosnefroy

Sa première apparition publique remonte significativement à une série d’images magnifiques de Sebastien Mazière. Mais justement Claire Cosnefroy n’est pas du tout une mannequin, elle est en revanche une des musiciennes plus intéressantes et que Chorus une constellation suit plus volontiers dans la jeune scène pop française (http://www.myspace.com/lafiancee). Elle prépare en ce moment aux édtions Strictly Confidential, sous le nom de La Fiancée et avec des collaborateurs d’exception, son premier album dont nous avons eu la chance d'écouter déjà quelques morceaux (Nous y reviendrons au moment de sa sortie). Avec beaucoup de talent elle travaille aussi dans le monde de la mode comme styliste (en ce moment entre autres pour le magazine Elle). Sa présence nous a semblé particulièrement importante dans le cadre de l'hommage que notre revue souhaitait rendre à l'oeuvre de Sébastien Mazière. Nous l'avons ainsi interviewée.

Chorus una costellazione :

Comment vous avez connu Sébastien ?

La Fiancée :

J’ai rencontré Sébastien en mai 2007 par le biais d’amis communs. Il recherchait à cette époque des modèles pour un cycle de photographies sur les années 50 et 60. Il avait vu une photo de moi, l’a aimée et m’a contactée : il m’a envoyé un e-mail très gentil où il me présentait son projet et me proposait de travailler ensemble.
Nous nous sommes parlé plusieurs fois par téléphone et avons convenu très vite d’un rendez vous (nous étions tous les deux d’accord sur le fait qu’un bon projet est un projet qui se fait rapidement, dans la foulée, et que c’est comme ça que doivent se passer les choses quand deux volontés s’accordent parfaitement).
Nous nous sommes donc rencontrés au carrefour de l’avenue Ledru Rollin et du boulevard de Charonne, dans le 11e arrondissement, pas très loin de chez lui ; les lieux qu’il voulait photographier se trouvaient à proximité.
Je ne l’avais jamais vu mais je l’ai reconnu tout se suite, et j’ai su immédiatement que nous nous entendrions bien. C’est d’ailleurs l’image de lui dont je me rappelle le mieux : lui avançant vers moi avec sa casquette et sa chemise hawaïenne, souriant.

Est-ce qu’il a été facile pour Sébastien de vous convaincre à participer à son projet ? Vous hésitiez ? Et lui ?

Travaillant moi-même dans l’image mais plutôt de l'autre côté de l’objectif, l’idée d’inverser les rôles m’a séduite immédiatement, parce qu’elle me permettrait de comprendre un peu mieux mon métier.
J’étais néanmoins très intimidée, car je sais combien il est parfois difficile et absolument pas anodin de se laisser de cette façon regarder par quelqu’un : c’est quelque chose de très intime.
Mais je ne sais pas, je lui ai automatiquement fait confiance et j’avais envie de dépasser cette retenue en moi. Il m’y a aidée, et cette expérience reste unique et très singulière pour moi.
Qui plus est, j’ai tout de suite aimé son travail et la douceur qui s’en dégageait, qui s’accordait aussi parfaitement à mon projet musical. Nous nous sommes très vite entendus sur le fait que je puisse également utiliser des images pour ce dernier.

Qu’est-ce que vous aimiez,dans sa manière de photographier, avant même de shooter avec lui? Seriez vous à même de décrire?

Ce que j’ai aimé de prime abord, c’est que Sébastien savait que photographier des personnes et des mannequins sont deux choses radicalement différentes. Un mannequin apprend à poser et à se faire l’instrument d’un photographe.
Sébastien cherchait, je crois, à être un traducteur d’âmes par l’image, il cherchait me semble-t-il à être comme un filtre, à trouver dans ses modèles cette douceur qui l’habitait.
Au lieu de leur demander de bouger, ce qui aurait été inconfortable pour eux, embarrassant car poser n’est pas inné, Sébastien savait tourner autour d’eux jusqu’à ce qu’il trouve l’angle juste, le moment de grâce auquel il aspirait, le vent dans les cheveux, le regard dans le lointain…
Cela a beaucoup contribué à me mettre à l’aise, n’ayant rien d’autre à faire que d’être moi. J’ai aimé qu’il cherche autour de moi ses images, car cela traduisait pour moi une remise en question de sa part, l’expression d’une volonté d’action véritable, qu’il ne considérait pas que tout devait venir des autres.
D’autre part, Sébastien embellissait véritablement ses modèles. Contrairement à une certaine mouvance de photographes actuels, son but n’était pas de recueillir des instantanés parfois très crues. Il cherchait quelque chose de plus universel, de plus sensible, tant dans les poses que dans la couleur, quelque chose d’intemporel, sans être non plus dans la reproduction d’images mille fois vues.
Sébastien n’étais pas passéiste, mais portait en lui cette nostalgie et cette envie de beau et d’absolu. Son travail exprime une retenue, un respect et une douceur qui pouvait parfois étonner: ceux qui le connaissaient se souviennent sans doute de son rire tonitruant et de ses conversations très animées, un maximum de mots en un minimum de temps, comme s’il courait après le temps. Le temps est un élément majeur dans son travail.

Rentrons maintenant avec vous dans la description de l’acte photographique. Silence ? Mots? Vous aviez la sensation que quand il était content de ce qu’il perçait par l’objectif ça se voyait ? Comment il faisait en sorte que vous soyez si parlante dans les photographies ?
Dans le cas des images que vous avez faites ensemble qui avait choisi l’espace ? Et comment ? Il a fallu attendre longtemps avant de trouver un lieu ?

Pendant qu’il shootait, Sébastien et moi parlions. Il avait l’air de tenir à ce que tout se passe de la façon la plus décontractée possible, que je me sente bien, ce qui était à ses yeux la condition sine qua non pour atteindre ce qu’il voulait faire ressortir de moi.
Je l’ai laissé faire, du début à la fin, me contentant de m’immobiliser quand il tenait quelque chose, essayant d’être aussi proche que possible de moi. Je savais que la meilleure façon d’obtenir un travail de qualité était de m’en remettre complètement à lui, n’ayant aucune expérience dans ce domaine. J’ai toujours aimé travailler en équipe et nous en formions une pour une heure: j’ai aimé que nos volontés et efforts soient tournés vers un même et seul but.
Nous restions à chaque endroit environ un quart d’heure, il shootait beaucoup et très vite, et savait rapidement s’il avait ce qu’il cherchait ou pas. Il m’a beaucoup encouragée, ce qui m’a beaucoup aidée à me rassurer et à sentir ce qu’il cherchait ; cela m’a aussi entraînée à donner plus encore, et à chercher plus loin avec lui, à proposer des choses : tout était possible, je me sentais complètement libre, ce qui était vraiment agréable pour une première expérience.
Il ne faut pas oublier que se laisser regarder aussi longtemps par un inconnu est très étrange, et de là à se laisser capturer…

Quant aux lieux, il les avait choisis lui-même auparavant, dans son quartier, qui a conservé quelques vieilles devantures. Nous avons donc suivi une sorte de parcours avant de trouver la deux chevaux par hasard dans la rue, devant laquelle nous avons commencé à prendre des photos. Le propriétaire, un vieux monsieur, était assis à une terrasse juste à coté. Il est venu nous parler quelques minutes, et séduit par la gentillesse de Sébastien, nous a même ouvert la voiture afin que nous puissions continuer à shooter à l’intérieur !
Il m’avait par contre laissée libre de choisir les vêtements, pour peu qu'ils rencontrent la sensibilité de son univers.

Quelle importance accordait-il Sebastien, tandis qu’il travaillait avec vous, à l’éclairage, la composition, la forme ?

Un photographe ne prend jamais ses photos au hasard ; Sébastien cherchait donc effectivement un cadrage, une lumière qui l’intéressaient Mais il ne me semble pas que cela l’obsédait : c’est le sujet qui l’intéressait avant tout.
Son travail reposait cela dit sur une importante partie de post-production : il retouchait beaucoup les couleurs et les lumières pour obtenir cet espèce de voile d’années qui rend ses images si particulières et si reconnaissables.

Et ensuite il y a cette sensation que nous avons souvent devant ses images et qui surgit du fait qu’il savait concrétiser à partir de peu d’éléments la présence, du fait qu’il savait tirer de rien la figure humaine, en particulier féminine. Savoir dire la personne, sans qu’on la voie ou presque. C’est étonnant, non ?

Sans que ça soit forcement le cas des images que Sébastien a fait avec moi, il est vrai qu’il a réalisé un travail extraordinaire sur la femme et la féminité à partir d’éléments d’une simplicité extrême : la peau, les cheveux et leur incroyable sensualité, les plis et les transparences des vêtements, ainsi que des zones du corps qui ne sont pas souvent exposées, comme la nuque, les jambes… Sébastien savait recréer de micro-univers terriblement sensuels et intimes entre une joue et une épaule, dans une cage d’escalier, la douceur des couleurs… C’est là une des forces de son travail, et il était vraiment très agréable pour une femme d’être regardée par un tel regard d’homme.

Vous avez eu la chance de fréquenter Sébastien, pouvez vous nous parler de son amour pour l’art qui ressort si profondément - pour nous qui ne l’avons pas rencontré - de ses photographies ?

Je n’ai malheureusement pas connu Sébastien aussi bien que certains ont pu le faire.
Ce dont je me rappelle néanmoins est la fougue qui l’enflammait quand il évoquait certains films et la musique, qui tenait une part si importante dans sa vie.

Dans les portraits de Sébastien, même dans les plus solitaires ou les plus tristes, il y a toujours , il nous semble, une énergie qui se dégage de l’intérieur, une sorte de confiance infinie en ce qui se passait sous ses yeux. Il nous est arrivé d’évoquer à ce sujet même le mot aujourd’hui très douloureux d’optimisme. Est-ce un leurre de notre part ou vous aviez la même sensation devant ses photographies?

Il est toujours extrêmement délicat de faire abstraction des évènements et du regard nouveau qu’ils nous induisent à porter sur ses œuvres…
Néanmoins même si je vois dans certaines images de Sébastien des regrets et de la nostalgie, il est vrai que sous cette immobilité, parfois ces masques, ces femmes sont éminemment vivantes et présentes.

Arrivez vous à reconstituer pour nous quels ont été vos sentiments quand vous avez pu voir le travail fini et ce qu’il avait fait de vous ? Stupeur ? Bonheur ? Étonnement ?

J’ai été enchantée et très étonnée… Je ne m’étais jamais vue comme ça. J’ai même pensé que ce n’était pas moi… Il s’en dégage une douceur que je savais être mienne intérieurement mais que je ne montre que très rarement, cette fragilité que l’on préfère souvent garder pour soi dans un monde où l’on attend souvent de vous que vous soyez un soldat… J’y ai vu une grâce que son regard a su capter. Il a été pour moi très émouvant de prendre conscience que c’est ainsi que Sébastien me voyait.
Et même quand il n’avait pas son appareil, il arrivait de sentir qu’il cherchait quelque chose quand il vous regardait, qu’il allait plus loin chercher dans vos yeux… Cela pouvait être déstabilisant.

Cela nous rappelle qu’un portrait est toujours une de plus extraordinaires collaborations qui existent en art. Ce partage qui se crée entre l’artiste et son modèle demeure stupéfiant. Réaliser une belle image ne relève jamais du seul photographe. Quel rapport avez vous maintenant avec les photographies que Sébastien a faites de vous?

Je lui suis infiniment reconnaissante de m’avoir donné l’occasion de faire avec lui cette nouvelle expérience et de me découvrir de cette façon, de m’avoir permis de dépasser une peur très profonde vis-à-vis du regard des autres.
Je lui suis infiniment reconnaissante de m’avoir invitée dans son monde et celui de ses femmes. Je ne les connais pas toutes, mais j’ai parfois l’impression que d’avoir été regardées par le même homme nous a, d’une certaine façon, liées les unes aux autres.
Je me suis sentie très honorée qu’il m’ait choisie et vraiment ravie d’avoir pu l’aider à mener à bien l’un de ses projets.
Et je dois ajouter que ses images m’ont aidée (même s’il ne le sait malheureusement pas) à me reconstruire à une période difficile de ma vie : savoir que quelqu’un pouvait déceler toutes ces choses en moi et me voir de cette façon m’a redonné confiance en moi.
Je ne l’en remercierai jamais assez.

Nous vous remercions de vous être prêtée avec une telle franchise et une telle douceur à cet entretien.

propos recueillis pour Chorus Una Costellazione par Dide

settembre 2008

Les tirages de cette exposition ont été réalisés avec le soutien du laboratoire Picto' .

Les organisateurs souhaitent remercier
Martine Mazière, Bruno François-Boucher, Eglantine Aubry et Guillaume Demaison.

Sébastien Mazière

2008-09-21T23:54:00.007+02:00

Lontano dal contesto dell'arte, ovvero dalle sue logiche fatte di "eccellenze" e di ego, dall'economia e dall'arroganza di mercanti, artisti e critici, un progetto ha attratto grazie alla sua energia in questo mese di settembre l'attenzione di Chorus una costellazione. Un omaggio che alcuni amici anonimi hanno voluto rendere a un giovanissimo fotografo scomparso prematuramente nel novembre scorso.
In uno spazio espositivo, Mycroft, aperto ai progetti più insoliti e generosi, si svolge una piccola retrospettiva di
Sébastien Mazière .
Un collettivo si è adoperato perché le sue fotografie ritornassero visibili per alcuni giorni a Parigi. Accompagnando la mostra con un dossier d'approfondimento abbiamo deciso di dare loro visibilità e sostegno.

La Redazione

Da martedì 23 a domenica 28 settembre in un piccolo e vivacissimo spazio di arte contemporanea a Parigi, la galerie Mycroft, si tiene la prima retrospettiva di Sebastien Mazière (1980 – 2007) dopo la sua scomparsa nel novembre scorso.

La mostra costituisce una prima occasione per riscoprire una serie di immagini di questo giovane fotografo maestro dell'incontro. Scatti di commovente bellezza, sentieri di sabbia, giardini segreti, strade e vie ritirate nei quali soggetti che mai avevano posato prima accettavano di entrare nell'universo poetico della sua fotografia d'autore.
Feriscono la grazia e la delicatezza di una serie di ritratti di donna, colpisce il dono che l'artista faceva del proprio sguardo a chi, amico o sconosciuto, accettava di mettersi in gioco per lui.
Persona squisita , vicina ai musicisti e ai dj più giovani e interessanti, pubblicato da diverse riviste ( Eyemazing gli aveva per esempio dedicato un magnifico dossier ) Mazière ha lasciato un grande vuoto nella giovanissima scena artistica parigina.
Una serie di eventi collaterali accompagna la mostra di fotografia: una proiezione di un lungometraggio del fotografo, una presentazione del suo sito internet e alcuni concerti di musicisti e gruppi indipendenti che hanno voluto rendere omaggio a questo giovane talento che ci ha prematuramente lasciato.

Sebastien Mazière
Galerie Mycroft
13, rue Ternaux
75011 Paris
da martedì 23 a domenica 27 settembre
orario dalle ore 15 alle 19
ingresso libero
http://www.sebastienmaziere.com

venerdì 26, ore 18, Coline et les soliloques presenta un DJ SET in omaggio a Sébastien

domenica 28, ore 16.30 grazie alla collaborazione della famiglia proiezione di un lungometraggio di Sébastien

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La rivista Chorus una costellazione presenta alcune immagini di Sébastien Mazière
tratte da diverse collezioni in occasione della mostra parigina alla galerie Mycroft

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Una macchina fotografica tra di noi al posto di un bicchiere

Conversazione con Coline Kern

Nata nel 1988 Coline Kern è una giovane musicista compositrice e dj. Attiva in prima persona nella musica sotto il nome di P°ppermost, a capo di un concept group, i Mrs Echoes, è altresì una figura di punta delle notti parigine. Coline et les soliloques (DJ) suona al Truskel, al Tape, al Plastic, al Motel, al Ne Nous Fachons Pas e a Mains d'Oeuvres. Amica di Sébastien Mazière ha partecipato alla sua collezione Rendez-vous. Abbiamo deciso così di intervistarla...

Chorus una costellazione :

Si ricorda del giorno in cui ha conosciuto Sébastien ?

Coline Kern :

Un pomeriggio, mentre scendevo da rue Oberkampf, a Parigi, con un’amica, un ragazzo in camicia a fiori, una macchina fotografica a tracolla, un cappellino sulla testa e un sorriso stampato in volto scende dalla sua bici per salutarla. Lei fa le presentazioni, e dopo neanche pochi minuti avevamo già previsto di ritrovarci la sera stessa al Pop In [un simpatico bar parigino N.d.R.].

Le ha domandato subito di posare per le sue immagini ?

In effetti proprio la sera stessa !

E si ricorda di come ha fatto e di cosa ha risposto lei?

Sì. Stavamo scherzando tutti e tre insieme, si rideva molto, e ci parlò di una serie di fotografie sul tema degli anni ’50 che aveva in testa e per la quale aveva pensato anche a me vedendomi! Trovavo talmente affascinante il suo modo di domandarmelo che ho subito detto di sì.

Sébastien era qualcuno che emanava calore e una gentilezza così profondi che sembrava logico accettare poiché si era subito a proprio agio con lui. Non sembrava né sicuro di sé, né intimidito, introduceva il soggetto con semplicità e poneva la domanda nello stesso modo. Ci sono persone così con cui tutto sembra semplice e incantevole, dava voglia di seguirlo.

Che cosa la affascinava di più, voglio dire ancor prima d’aver visto le immagini che ha poi fatto con lei, quando eravate insieme? Riuscirebbe a descrivercelo?

Si accontentava di dirmi “ ecco una facciata che ho scovato, puoi metterti lì davanti e incominciamo!” Allora può capire cosa significasse per me che non avevo mai posato prima, trovavo tutto ciò imbarazzante, non sapevo che cosa fare, così gli parlavo e intanto lui non smetteva di fotografarmi. Era come quando si discuteva in un bar, salvo che eravamo proprio in mezzo al marciapiede e che c’era una macchina fotografica tra di noi al posto di un bicchiere. Cambiava posto, cambiava angolo, non smetteva di fotografare, mormorava: “Oh!” “Ah!” “geniale, è perfetto!”, rassomigliava a un gioco ed era piacevole, ridevamo molto e le persone che passavano sembravano divertite e talvolta si fermavano.

(Restiamo ancora un poco alla descrizione dell’atto fotografico. In silenzio? Parole? Aveva la sensazione che quando era contento di quel che percepiva attraverso l’obiettivo si vedesse? Come riusciva a tirar fuori i suoi soggetti dal loro universo interiore? Come riusciva a far sì che lei fosse così presente nelle sue fotografie? Ne ha un’idea? Che rapporto si stabiliva con lo spazio che vi circondava? Restava parecchio tempo prima di scattare una foto? Chi l’aveva scelto quello spazio? E come? C’è stato bisogno di aspettare a lungo prima di trovare i posti giusti?)

E’ lui che aveva scelto i posti nei quali mi portava, ci sono voluti mesi prima che mi richiamasse per fare questa seduta di scatti, ci vedevamo ma non menzionavamo mai la cosa, non ci pensavo quasi più. A un certo punto, credevo persino che avesse scherzato, ma qualche mese più tardi, mi richiamò per propormi di fare queste foto.

E le luci, la composizione, la forma?

Contava molto sulla luce, eravamo nel mese di maggio e il tempo era capriccioso, ma quel giorno la luce era dolce e luminosa ed era splendido, rapito.

In una delle sue più belle foto la fotografa e quasi lei non c’è. Le si vedono solo il cappotto, le gambe, le scarpe (pensiamo proprio che sia lei, noi?) Che capolavoro : riuscire con questi soli elementi a far venir fuori si direbbe quasi l’emozione di quel momento. Emozione forse non è la parola esatta. Ma quella … Lei è tutta lì e noi non ne vediamo che un pezzetto. Condivide la nostra impressione? La sensazione che abbiamo che sapesse tirar fuori da quasi nulla la presenza umana, femminile in questo caso.

Tutto quel che so è che amava molto quegli scarpini e che quando la seduta fotografica si spostò all’interno (in una lavanderia del CXX arrondissement) si mise a fotografare senza posa, come se fosse lì che bisognava farlo. Tutto quel che so è che malgrado il fatto che il suo lavoro sembrasse istintivo, poiché mi lasciava libera dei miei fatti e dei miei gesti, sapeva perfettamente quel che faceva e come farlo.

Spesso delle foto di abiti un Sébastien dicono tutto di una persona o di un corpo senza che li si veda. È stupefacente, non trova?

A questo proposito non so bene che rispondere se non che Sébastien mi aveva fatto un sacco di domande sul mio guardaroba e l’aveva legato al fatto che trovava che avessi un’aria da Françoise d’Orléac, come se fossero questi gli ingredienti che in quel caso sarebbero forse bastati alla composizione.

E in seguito, più tardi, quando ha visto le goto che aveva fatto? Riesce a ricostruire quali siano state le sue sensazioni? Stupore? Felicità? Meraviglia?

Le ho ricevute per così dire in differita, man mano che il suo lavoro andava avanti, accompagnate dalle sue impressioni e dalla stessa domanda che ritornava: “ Che cosa ne pensi? Aspetto le tue impressioni, non esitare soprattutto a rendermene partecipe!”.
Ogni volta non mi aspettavo un risultato così, che fosse al livello dei colori o a quello della composizione, o del recadrage, trasformava i luoghi in emozioni.

Ha avuto la fortuna di avere l’amicizia di Sébastien, può parlarci del suo amore per l’arte che scaturisce così profondamente – per noi che non l’abbiamo conosciuto – dalle sue fotografie?

Parlavamo spesso; di cinema soprattutto, essendo io una grande fan di Godard e di Truffaut, le nostre discussioni ruotavano intorno a Françoise d’Orléac, Anna Karina, il modo di recitare, la semplicità delle emozioni, la bellezza delle immagini e la gioia che ci procuravano le storie.
Parlavamo anche molto di musica, ovviamente, poiché io sono una Dj e molto legata alle sonorità degli anni ’60, un’altra cosa che condividevamo

Insieme avete fatto un solo ciclo di fotografie ?

Benché fossimo in ballo per un’altra collezione nella quale dovevo apparire, la nostra collaborazione si interruppe con la sua ultima collezione, l’unica volta che ho posato per lui è stato per « Le Rendez-vous ».

Nei ritratti di Sébastien, anche nei più solitari o i più tristi c’è sempre, ci pare, un’energia che si sprigiona dall’interno, una sorta di fiducia infinita in quel che gli capitava sotto gli occhi. Ci è capitato di evocare a questo proposito persino la parola ottimismo, oggi così dolorosa. Siamo in errore o aveva la stessa sensazione davanti alle sue fotografie?

Sébastien sembrava concretizzare un’immagine che aveva in testa quando faceva delle foto e diceva: “E’ perfetto!” come se avesse saputo in anticipo quel che voleva e lo ottenesse in seguito. Era molto strano perché in partenza, non potevamo assolutamente sapere cosa come si sarebbero sviluppate le cose, e tuttavia…

C’è una specie di grazia o di festa fragile del vedere attraverso la quale faceva emergere le cose che amava. Siamo in errore?

Penso che Sebastien avesse una maniera di vedere le cose, le persone, tutta sua che scaturisce assolutamente attraverso le sue stampe. Guardare le sue foto è un po’ vedere il mondo come lo percepiva, attraverso i suoi occhi. Arrivava a far condividere così tanto, grazie all’amore che aveva per la fotografia, non vedo altra risposta !

Come se vi avesse tradito non accogliervi nelle immagini come siete. E al tempo stesso però non c’è un dislivello che ha saputo creare tra le vostre immagini e voi? Lei si riconosce nelle sue immagini? Quale parte che ama di sé o di cui è curiosa riconosce in queste immagini che le rimangono?

Non penso che non ci accogliesse come eravamo, ma che ci offrisse una visione di noi diversa da quella che avevamo noi stesse: la sua. Nelle sue fotografie, riconosco la mia spontaneità, la mia timidezza e una grande tristezza dovuta alla mia storia privata. Sembrava captare alcune emozioni che ci abitano, da lì una certa indecenza artisticamente magistrale.

Lisa Fossengrives, che posava per dei grandi fotografi - Irving Penn o Blumenfield per esempio - e che ne ha fatto la fortuna a proposito della sua esperienza da modella parlava d’un prolungamento della danza. Utilizzava un’espressione come “una danza immobile” o parlava di “vibrazioni affettive” e lei come ha vissuto la sua esperienza con Sébastien?

Il momento tra l’inizio della seduta e la fine era un’esperienza davvero particolare, dalla quale sono uscita tutta scombussolata, come dopo aver condiviso qualcosa di molto forte. Non so come spiegare tutto questo. Penso che il termine “vibrazioni affettive” che ha impiegato Lisa Fossengrives sia la parola giusta, che riassume tutto.

Un ritratto è una vera collaborazione tra l’artista e il suo modello. Realizzare una bella immagine non dipende dal solo fotografo. Che rapporto ha con le fotografie che Sébastien le ha fatto e più in generale?

Penso che il suo lavoro traduca la fiducia e i rapporti particolari che c’erano tra di lui e ognuno dei suoi modelli.

Ci teniamo,Coline Kern, a ringraziarla per la gentilezza con la quale ci ha accordato quest’intervista..

intervista realizzata da Dide per Chorus Una Costellazione
luglio 2008

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Un traduttore d’anime attraverso l’immagine

Conversazione con Claire Cosnefroy

La sua prima apparizione pubblica risale significativamente a una serie d’immagini di Sébastien Mazière, ma Claire Cosnefroy non è una mannequin, è invece una delle musiciste più interessanti e che Chorus una Costellazione segue più volentieri nella giovane scena pop francese (http://www.myspace.com/lafiancee). Prepara in questo momento per le edizioni Strictly confidential, sotto il nome di La Fiancée e con dei collaboratori d’eccezione, il suo primo album del quale abbiamo avuto la possibilità di ascoltare già alcuni pezzi ( e sul quale ritorneremo al momento dell’uscita). Con grande talento lavora anche nel mondo della moda come stylist (in questo momento per il giornale Elle France) La sua presenza ci è sembrata particolarmente importante nel quadro dell’omaggio che la nostra rivista rende all’opera di Sébastien Mazière. L’abbiamo così intervistata.

Chorus una costellazione :

Come ha conosciuto Sébastien Mazière?

La Fiancée :

Ho incontrato Sebastien nel maggio 2007 attraverso degli amici che avevamo in comune.
All'epoca cercava dei modelli per un ciclo di fotografie ispirate dagli anni 50 e 60. Aveva visto una mia foto, gli è piaciuta e mi ha contattata: mi ha spedito una e-mail molto gentile in cui mi presentava il suo progetto proponendomi di lavorarci insieme.
Ci siamo parlati diverse volte per telefono e ci siamo dati molto presto appuntamento (eravamo entrambi d'accordo sul fatto che un buon progetto è un progetto che si fa rapidamente, nell'immediatezza, e che le cose devono andare così quando due volontà si accordano perfettamente)
Così ci siamo incontrati all'incrocio dell'avenue Ledru Rollin e del boulevard de Charonne, nell'11° arrondissement, non troppo lontano da dove abitava ; i luoghi che voleva fotografare si trovavano lì vicino.
Non l'avevo mai visto e l'ho riconosciuto subito, e ho saputo immediatamente che ci sarebbe stata una bella intesa. D'altronde è l'immagine di lui che mi ricordo meglio: lui che viene sorridente verso di me con il suo cappellino e la sua camicia hawaiana.

E' stato facile per Sébastien convincerla a partecipare al suo progetto? Esitava? E lui?

Lavorando io stessa in effetti nell'immagine ma piuttosto dietro all'obiettivo, l'idea di invertire i ruoli mi ha sedotta immediatamente, Perché mi permetteva di capire un po' meglio il mio mestiere.
Tuttavia ero molto intimidita, perché so bene quanto è difficile talvolta e assolutamente anodino lasciarsi guardare in questo modo da qualcuno: è qualcosa di molto intimo. Ma non so, mi sono immediatamente fidata di lui e avevo voglia di oltrepassare questo ritegno che c'era in me. Mi ha aiutata e quest'esperienza, rimasta unica, è stata davvero singolare per me.
Non bastasse questo, ho subito amato il suo lavoro e la dolcezza che se ne sprigionava, che si accordava perfettamente anche al mio progetto musicale. E ci siamo velocemente intesi sul fatto che avrei potuto usare delle immagini per quest'ultimo.

La bellezza delle foto che avete fatto insieme così alimenta in chi le osserva una gioia.
Che cosa amava del suo modo di fotografare, prima ancora di lavorare con lui? Riesce a parlarcene?

Quel che ho amato più di ogni altra cosa, è che Sébastien sapeva che fotografare delle persone e delle mannequins sono cose radicalmente diverse. Una mannequin impara a posare e a farsi strumento di un fotografo.
Sébastien cercava, credo, d'essere un traduttore d'anime in immagini, cercava, mi sembra, di essere come un filtro, di trovare nei suoi modelli questa dolcezza che l'abitava.
Invece di chiedergli di muoversi, il che sarebbe stato poco confortevole per loro, imbarazzante perché posare non è cosa innata, Sébastien sapeva girare intorno a loro, sino a trovare l'angolo giusto, il momento di grazia al quale aspirava, il vento tra i capelli, lo sguardo lontano... Ciò ha molto contribuito a mettermi a mio agio, non avendo nient'altro da fare se non esser me stessa.
Mi è piaciuto che cercasse intorno a me le sue immagini, poiché ciò traduceva per me un rimettersi in questione da parte sua, l'espressione di un'autentica azione, il fatto che non considerasse che tutto dovesse venire dagli altri.
D'altra parte, Sébastien proprio impreziosiva i suoi modelli. Contrariamente a un orientamento dei fotografi attuali, il suo fine non era di raccogliere delle istantanee talvolta molto crude. cercava qualcosa di più universale, di più sensibile, tanto nelle pose quanto nei colori, qualcosa di intemporale, senza nemmeno essere nella riproduzione di immagini viste mille volte.
Sébastien non era un passatista, ma portava in sé questa nostalgia e questa voglia di bellezza e d'assoluto. Il suo lavoro esprime un ritegno, un rispetto e una dolcezza che poteva talvolta meravigliare: quelli che lo conoscono si ricordano senza dubbio della sua risata tonante e delle sue animatissime conversazioni, il massimo di parole possibili nel minimo tempo possibile, come se corresse dietro al tempo. Il tempo è un elemento maggiore nel suo lavoro.

Passiamo adesso alla descrizione dell'atto fotografico. Silenzio? Parole? Aveva la sensazione che quando era contento di quel che percepiva attraverso l'obiettivo si vedesse? Come riusciva a far sì che fosse così , nelle fotografie? Nel caso delle immagini che avete fatto insieme chi aveva scelto lo spazio? E come? C'è stato bisogno di aspettare a lungo prima di trovare un luogo?

Mentre scattava, Sébastien e io parlavamo. Dava l'impressione di tenere a che tutto accadesse nel modo più rilassato possibile, a che mi sentissi bene, il che ai suoi occhi era una condizione sine qua non per raggiungere quel che voleva venisse fuori da me.
L'ho lasciato fare dall'inizio alla fine, accontentandomi di immobilizzarmi quando otteneva qualche cosa, nel tentativo d’essere il più possibile vicino a me. Sapevo che il miglior modo di ottenere un lavoro di qualità era di affidarmi completamente a lui, non avendo alcuna esperienza in questo campo. Mi è sempre piaciuto lavorare in équipe e noi per un'ora ne formavamo una: mi è piaciuto che le nostre volontà e i nostri sforzi fossero rivolti verso lo stesso e solo fine.
Restavamo in ogni posto più o meno un quarto d'ora, scattava molto e con grande velocità, e sapeva rapidamente se stava ottenendo ciò che stava cercando oppure no. Mi ha molto incoraggiata, il che mi ha molto aiutata a rassicurarmi e a sentire quel che cercava; tutto ciò mi ha portato a dare ancor di più e a cercare con lui ancora più lontano, a proporre delle cose: tutto era possibile, mi sentivo completamente libera, il che era veramente piacevole per una prima esperienza.
Non bisogna dimenticare che lasciarsi guardare così a lungo da uno sconosciuto è molto strano, e da lì a lasciarsi catturare...
Quanto ai luoghi, li aveva scelti lui stesso prima, nel suo quartiere, una zona che ha conservato alcune vecchie facciate. Abbiamo seguito allora una sorta di percorso prima di trovare per caso lungo la strada la due cavalli davanti alla quale abbiamo cominciato a scattare delle foto.
Il proprietario, un vecchio signore, era seduto alla terrazza di un caffè, proprio accanto. E' venuto a parlarci per qualche minuto e sedotto dalla gentilezza di Sébastien ci ha persino aperto la macchina perché potessimo continuare a scattare anche all'interno!
Mi aveva poi lasciata libera di scegliere gli abiti purché si adattassero con sensibilità al senso del progetto.

Che importanza accordava Sébastien, mentre lavorava con lei alle luci, alla composizione, alla forma?

Un fotografo ovviamente non fa mai le proprie foto a caso; Sébastien cercava in effetti un'inquadratura, una luce che lo interessassero. Ma non mi sembra che questa fosse per lui un'ossessione: è il soggetto che lo interessava prima di tutto.
Il suo lavoro riposava detto questo su una importante parte di post-produzione: ritoccava molto i colori e le luci per ottenere questa specie di velo d'anni che rende le immagini così particolari e così riconoscibili.

E poi c'è questa sensazione che abbiamo spesso davanti alle sue immagini che proviene dal suo saper concretizzare da pochissimi elementi, da quasi nulla la presenza umana, femminile in particolare. Saper dire la persona, da un vestito, da un dettaglio, senza quasi che la si veda... Meraviglioso, no?

Senza che sia per forza il caso delle immagini che Sébastien ha fatto con me , è vero che ha realizzato un lavoro straordinario sulla donna a partire da elementi di una semplicità estrema: la pelle, i capelli e la loro incredibile sensualità, le pieghe e le trasparenze degli abiti, come le zone del corpo che non sono spesso esposte, la nuca, le gambe... Sébastien sapeva ricreare dei microuniversi terribilmente sensuali e intimi, tra una guancia e una spalla, in uno scendere di scale, la dolcezza dei colori... E' uno dei punti di forza del suo lavoro, ed è veramente molto piacevole per una donna esser guardata da uno sguardo d'uomo così.

Ha avuto la fortuna di frequentare Sébastien, può parlarci del suo amore per l'arte che scaturisce così profondamente - per noi che non l'abbiamo incontrato - dalle sue fotografie?

Sfortunatamente non ho conosciuto Sébastien come certi hanno potuto fare. Però mi ricordo della foga che lo infiammava quando evocava certi film e la musica, che occupava una parte così importante della sua vita.

Nei ritratti di Sébastien , anche nei più solitari o nei più tristi c'è sempre, ci sembra, un'energia che scaturisce dall'interno, una sorta di fiducia infinita in quel che capitava sotto i suoi occhi. Ci è capitato di evocare a questo proposito persino la parola ottimismo, oggi così dolorosa. Ci siamo ingannati a suo avviso o lei aveva la stessa sensazione davanti alle sue fotografie?

E' sempre estremamente delicato fare astrazione dagli eventi e dallo sguardo nuovo che inducono a portare sulle opere...
Tuttavia anche se vedo in certe immagini di Sébastien dei rimpianti e della nostalgia, è vero che sotto quest'immobilità, talvolta queste maschere, quelle donne sono soprattutto vive e presenti.

Riesce a ricostruire per noi quali siano stati i suoi sentimenti quando ha potuto vedere il lavoro finito che era riuscito a fare con lei? Stupore? Felicità? Meraviglia?

Sono rimasta incantata e molto meravigliata... Non mi ero mai vista così. Ho persino pensato di non essere io... Se ne sprigiona una dolcezza che sapevo essere mia interiormente ma che non mostro che rarissimamente, questa fragilità che si preferisce spesso conservare per sé in un mondo in cui ci si attende spesso da noi che si sia come soldati... Ho visto una grazia che lui ha saputo captare. Per me è stato molto commovente prendere coscienza del fatto che è così che Sébastien mi vedeva.
E anche quando non aveva la macchina fotografica, capitava di sentire che cercasse qualcosa guardandoti,che andasse più lontano, a cercare negli occhi... Poteva essere destabilizzante.

Questo ci ricorda che un ritratto è sempre una delle più straordinarie collaborazioni che esistano nell'arte. Questa condivisione che si crea tra l'artista e il suo modello permane stupefacente. Realizzare una bella immagine non dipende mai dal solo fotografo. Che rapporto ha adesso con le fotografie che Sébastien le ha fatto?

Gli sono infinitamente riconoscente di avermi dato l'occasione di fare con lui questa nuova esperienza e di scoprirmi in quella maniera, di avermi permesso di oltrepassare una paura molto profonda nei confronti dello sguardo degli altri.
Gli sono infinitamente grata di avermi invitata nel suo mondo e in quello delle sue donne. Non le conoscevo tutte, ma talvolta ho avuto l'impressione che essere state guardate dallo stesso uomo ci ha, in un certo senso, legate l'una all'altra. Mi sono sentita molto onorata del fatto che mi avesse scelta e davvero rapita all'idea d'aver potuto aiutarlo a portare a termine uno dei suoi progetti.
E devo aggiungere che le sue immagini mi hanno aiutata (anche se non lo sa sfortunatamente) a ricostruirmi in un periodo difficile della mia vita: scoprire che qualcuno potesse scorgere e svelare tutte queste cose in me e vedermi in questo modo mi ha ridato fiducia in me stessa.
Non lo ringrazierò mai abbastanza.

Anche noi la ringraziamo d'essersi prestata con franchezza e dolcezza a questa breve intervista.

intervista raccolta da Dide per Chorus una costellazione
settembre 2008

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Dide

La fotografia è un’ombra amica che lo sguardo offre alla luce
Su Sebastien Mazière

Le Champagne, si on a le temps de l'écouter,
fait le même bruit dans sa mousse et son
verre que la mer sur le sable.
Max Jacob

Ho incontrato – e amato – alcune fotografie di Sebastien Mazière prima che se ne andasse bruscamente. E ho pensato tante volte, poiché avevamo alcune conoscenze in comune, di scrivergli. Non l’ho mai fatto; non ci siamo mai incontrati. Amavo il modo in cui in queste immagini ritraeva; la persona e lo spazio entravano nel suo obiettivo senza mai perdere la vita. C’era in queste sue fotografie malgrado tutte le influenze che qualche pedante critico non mancherà un giorno di elencare, un’esperienza acuta e giovane e mi colpisce ancora in esse, se le osservo, una sorta se vogliamo di incanto o di felicità inesauribile che questo fotografo sapeva attribuire al visibile. Tempo puro: magia. L’istantanea come supporto cessava di subire i codici ai quali la sottopone di solito l’assegnazione a una categoria (fotografia di moda, ritratto, paesaggio); sintesi di un punto privilegiato, alcune sue fotografie diventavano attraverso Sebastien una sorta di compimento semplice e invisibile del guardare: qualcosa che si apriva per sempre, ma senza farsi sospendere nel finito di un attimo.

In altre parole si potrebbe anche dire che Sebastien Mazière abbia cercato di mostrare come la fotografia sia per lui l’ombra che lo sguardo fa alla luce nell’ora più calda del cuore per tenergli compagnia.
Credo che la sua capacità di immaginare e di vedere chi accettava di mettersi in gioco per lui davanti all’obiettivo - e il dono che aveva di portarci a conoscere questa o quella persona - mi tocchi o mi accompagni molto più profondamente di quanto oggi io possa dire.
Sebastien sapeva far risuonare con una liricità scevra di effetto e personale legata ai primordi della fotografia le semplici possibilità che la persona racchiude e aveva cura per questo di scegliere i propri soggetti senza mai eludere con loro la necessità di muoversi in una familiarità straniera, dunque, per questo, vitale.
Chiesto aiuto a Anne, Chloë, Claire, Coline, o a qualcun’altra delle sue amiche, soprattutto non voleva in un certo senso che esse posassero.
Il punto effimero dal quale si incomincia a guardare una sua immagine si rivela spesso una riva, può essere un sentiero di sabbia,un giardino segreto, una strada o via ritirata.
Lo spazio, i luoghi sono importanti quanto le persone che li invadono, li avvicinano, li sfiorano,li cancellano. In essi persone che spesso mai in vita loro si erano messe davanti all’obiettivo hanno accettato, entrate in un vero universo, di giocare con il suo sguardo. C’è una grande pace e un’idea limpida della femminilità nei suoi scatti.
Universo certo onirico e di poesia, il mondo rivelato da Sebastien turba però chi osserva perché si è naturalmente spinti in un gioco di rinvii che ci chiedono con semplicità di meravigliarci, di amare, di indovinare.
La predilezione di Sebastien andava senza dubbio, forse senza saperlo, a una lunga tradizione artistica che ha origini lontanissime, trova nella Grecia i suoi teorici [La bellezza come il più manifesto (ekfanestaton) e quindi il più amabile (erasmiotaton)] , e si affida da sempre alla grazia di quanto è presente.

La sua concentrazione si dirigeva spontaneamente laddove la presenza era attraverso il suo brillare (éclat) sintomo di bellezza, laddove l’immaginazione costituiva un poter vedere (dunque un modo da parte di chi era ritratto di potersi scoprire e da parte di chi ritraeva di trovarsi su precipizi di dolcezza) e dove l’intelligenza e la finezza erano il tramite per una sensibilità altrimenti sconosciuta. Colpisce in quest’opera immatura e visionaria che oggi è conclusa la sua scatenata fedeltà all’éclat e al segreto.

Quando ho appreso la notizia della morte di Sebastien Mazière non l’ho considerata possibile. Ed è possibile che questo testo ne soffra. Ancora oggi non riesco ad adattarmi a questa sensazione di vertigine e di perdita che le sue immagini in me non consolano. Dietro a uno sguardo vi è una persona e spesso osservando i volti che Sebastien ha ritratto mi è capitato di pensare che dovesse essere guidato da un’intuizione simile a quella per cui Chrétien de Troyes nel Cligès dice che “l’occhio è lo specchio del cuore”.

Vorrei che fosse chiaro però che questo è un saggio che scrivo come se Sebastien fosse ancora tra noi, scritto dunque come mi sarebbe piaciuto fare in ogni caso. Vorrei riuscire a restituire qualcosa del piacere che mi da sempre guardare le sue fotografie, ma con desiderio analogo a quello che vi sarebbe se si potesse uscire insieme a bere un bicchiere e a fare due chiacchiere su cose estremamente serie e divertenti (sapremmo noi di cosa e sicuramente gli citerei Welles : “ Parlo con i Cahiers du cinéma [...]. Ma è tutta una finzione. Io sono un impostore: parlo pefino dell'"arte del cinema". Non parlerei mai ai miei amici dell'arte del cinema: preferirei essere sorpreso senza calzoni nel bel mezzo di Times Square.”). Non sarebbe inutile aver messo delle parole su quel che le immagini dicono da sole, forse, se tutto ciò suonasse come un monito a chi legge a non essere così stupido e timido da non condividere la propria gioia con qualcuno il cui lavoro o la cui persona tocchino con semplicità e senza la contraffazione dell’arte qualcosa al cuore delle poche ragioni per cui ci siamo.

Raggiungere : Sebastien sapeva farlo, dissipando nel soggetto che si decideva a rappresentare ogni distrazione, ogni paura, ogni simulazione.
La sua fotografia è dunque innanzitutto la storia di un incontro con la lontananza dell’immediato, con quanto nel soggetto è solo in apparenza intimità inafferrabile.

Ma è anche la storia di una sparizione: quella appunto della tensione con la quale nella vita di tutti i giorni ci riveliamo. Dolce doveva dunque essere la sorpresa per chi si lasciava ritrarre da lui nel trovare in ogni suo scatto l’occasione di farsi ispirazione.
Come se il vetro dell’apparire fosse infranto e tenersi sulla soglia del guardare altro non fosse che restituire vita alla vita.
Comprendere l’io, la sua melodia; indovinarne la libertà, esaltando l’istante, facendone una discesa limpida al cuore delle cose.

Senza dubbio attraverso una coscienza dell’inquadratura essenziale, sovente costruita après coup, Sebastien raggiungeva l’altro nel suo cercare.
Una scrittura del corpo dichiarata con coraggio, una perseveranza quasi bambina nel mettere a nudo lo stupore, una capacità paziente di trovare i gesti, una capacità di liberare le sue muse, di suggerire una direzione dell’io attraverso un semplice dettaglio (l’uso di descrivere tra i capelli il vento per esempio, di scoprire attraverso il vestire, di sottolineare un silenzio o un’ambizione attraverso una linea dell’aspetto). Erano queste alcune delle doti naturali di Sebastien.

Il suo modo di raccontare in un ritratto l’eterno femminino, la precarietà, la semplicità, la fuggevolezza dei suoi soggetti e delle sue immagini sono doni ai quali non possiamo rinunciare.
A essere desti davanti all’accadere delle cose: ecco a cosa le fotografie di Mazière ci invitano anche oggi. A osservarle con innocenza si può scoprire che vi è in ognuna di esse il suo girovagare, vi sono i suoi viaggi, gli incontri, vi sono le sue passioni, le sue amicizie, il suo amore e le debolezze e le magie di quel che all’improvviso ma lungamente atteso gli si consegnava illuminandolo.

Mi colpisce infine la sua capacità di vegliare – e non solo nella serie di foto che non per caso ha fatto dall’alto – , la consapevolezza con la quale decide di mostrare che esiste anche ciò che non si può rappresentare; che ciò che si riceve o si protegge e viene mostrato non è tutto, in cui in definitiva affida a ogni sua immagine il compito di raccontare che ognuna delle sue ragazze era - anche - molto di più e altro.

Les tirages de cette exposition ont été réalisés avec le soutien du laboratoire Picto' .

Les organisateurs souhaitent remercier
Martine Mazière, Bruno François-Boucher, Eglantine Aubry et Guillaume Demaison.

A.A.V.V. LA FIGURE DANS L'ART

2008-07-23T20:33:00.007+02:00

Philippe Lacoue-Labarthe
Jean-Christophe Bailly, Alfonso Cariolato, Federico Ferrari,
Tomas Maia, Federico Nicolao

LA FIGURE DANS L'ART
" Naissance de l'art
signifie

'apparition de la figure' "

Jean-Marie Pontévia

Ce volume recueille les contributions des intervenants aux journèes du 17,18 et 19 décembre 2004 au Musée Picasso d'Antibes, autour des collections du musée et de cette proposition de Jean-Marie Pontévia.

coédition Musée Picasso / William Blake & Co.
ISBN: 978-2-84103-164-1
Prix: 20 euros
Distribution Belles Lettres

IN ONDA SU FRANCE CULTURE

2008-07-14T11:56:00.004+02:00

Lunedì 14 luglio

ore 22.15

SURPRIS PAR LA NUIT
Par Alain Veinstein

In occasione della pubblicazione del numero 19-20 della rivista Animal che dedica un dossier speciale a Philippe Lacoue-Labarthe, intervista con Emmanuel Laugier e Jean-Christophe Bailly accompagnata da ritrasmissione di archivi con Philippe Lacoue-Labarthe e Jean-Luc Nancy

23:30

DU JOUR AU LENDEMAIN

Philippe Lacoue-Labarthe, Replica del 17 dicembre 2005
Produzione Alain Veinstein
Con Philippe Lacoue-Labarthe

2008-06-16T00:00:00.000+02:00

ANNO V NUMERO V

SOMMARIO

Idolina Landolfi Nulla significare, nulla dire. Le raccolte poetiche landolfiane

Mario Nicolao L’orrore del sole

Jean-Christophe Bailly L’altro dell’uomo faber o i figli di Bartleby

Mario Richter Profilo di Apollinaire

Flavio Ermini Mutevole è la vita

Anna Isabella Squarzina Nota introduttiva a “Poetiche della nostalgia”

Jean Starobinski Poetiche della nostalgia

Richard Burns Un poco più lontano

Philippe Lacoue-Labarthe Frase IX (Una trascrizione)

Laura Erber Mondrian by night

Olivier Kervern Lettera

Aldo Buzzi La frittata

Aldo Buzzi [Hans Ulrich Obrist e Fabrizio Gallanti] Frammenti da una conversazione

Klaus Ramka Impressione

I poeti della Gru

Emiliano Michelini La circolazione del sangue

Davide Nota Poesie

Gianni D’Elia Una lettera per Nota

224 pagine

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NOTA INTRODUTTIVA

C’è stato un momento, forse a metà degli anni Sessanta, in cui Tommaso Landolfi, questo autore eccentrico, anomalo rispetto alle idee dominanti della letteratura italiana dell’epoca, venne riconosciuto per quello che era: uno dei pochi, grandi scrittori del Novecento, uno dei maggiori, un “maestro silenzioso”. Da allora la sua fama “sotterranea” non ha smesso di crescere, ma non in Italia. Altri galli (spiumati) hanno cantato nella penisola. E altri galletti si sono fatti avanti, anzi, indietro. Così la fama di Landolfi è affidata alle enciclopedie o alle traduzioni e agli studi in altre lingue. Invano la figlia Idolina, che ha dedicato la sua vita all’opera paterna, e incontra sempre maggiori difficoltà nel riproporla, tenta di ripubblicare i suoi testi più difficili, più “inattuali”. Per esempio i due volumi di versi, “Viola di morte” e “Il tradimento”, non trovano editore che li ristampi, nonostante in essi la poesia tocchi profondità mai raggiunte, giunga addirittura a mettere in questione la sua stessa sopravvivenza.
Quest’anno ricorre il centenario della nascita dello scrittore di Pico e Chorus intende celebrarla. Ricordiamo che questa rivista è nata dall’idea, comune a Roger Laporte, Cesare Galimberti e pochi altri, che da tempo “la letteratura sia entrata in clandestinità”. Non crediamo che a Landolfi sarebbe spiaciuta questa definizione di “scrittore clandestino”, così come certo non spiacerà ad Aldo Buzzi, altro scrittore per pochi ma buoni, di cui pubblichiamo un inedito “gastronomico”, “La frittata”, seguito dagli estratti di una videointervista allo stesso Buzzi di Hans Ulrich Obrist (con l’appoggio dell’architetto Fabrizio Gallanti) che ci piace per la libertà e il rigore con i quali lo scrittore risponde a tono alle domande dei suoi interlocutori.
Jean Christophe Bailly ci illumina con un saggio fondamentale, tradotto per la prima volta in Italiano, su come si possa immaginare un ritorno diverso al fare che si situi “fuori dal fiume del lavoro”.
Intanto Mario Richter apre un varco nell’opera di Apollinaire, seguendone gli itinerari e chiarendone la funzione nel contesto culturale dei primi due “fondamentali decenni del Novecento”.
Grazie all'interessamento, al prezioso aiuto, e all’impeccabile e insostituibile lavoro scientifico di Anna Isabella Squarzina che qui lo introduce, ospitiamo in questo nostro quinto numero un saggio inedito in Italia dello studioso Jean Starobinski: Poetiche della nostalgia.
Come conoscere il proprio tempo? Come sondarne le forze? Come riscoprire l’azione intensa e spesso invisibile che respira del piacere di condividere le cose?
Tanti testi in questo numero di Chorus, molti di giovani autori, tutti ricominciano senza posa il gesto del pensare; attraverso temi pieni di dignità, talvolta distinti, eppure convergenti nel rispetto delle differenze, tutti con un’inaspettata e sperata vena mantengono vivo l’auspicio di chi nella scrittura non ha mai cessato, nel modo più commovente e necessario, di immaginare cambiamento ed eredità.